PERCIPIÊNCIAS

Na VERBO...

2011-07-16T07:49:00.012-03:00

Coragem de se sentar numa cadeira e escutar uma música de Maysa, revolvendo a existência, a ausência, o luto e, entre outras coisas, talvez, o desamor. No limite entre uma tragédia romântica quase operírstica e um show (burlesco) de cabaré. Fez assim o artista Marco Paulo Rolla, vestindo terno, camisa, gravata e máscara pretas em sua performance “Uma Canção na Vitrola”, no último dia da mosta anual de performance arte, a VERBO, na galeria Vermelho, SP, semana passada.

O artista aparentemente sob absoluto comando de sua ação, a personagem, de outro modo, parecia não conseguir controlar a sua impotência diante da solidão. Para disfarçar a dor, cobriu a cara, tapou as vistas e distorcia o som dramático de Maysa com os dedos, mudando o tempo natural do vinil. Como rindo de si mesmo, desorientado, numa sofrida tentativa (inócua) de se provar alguém superior. Fingindo-se feliz com a sua epifania.

Voltas e mais voltas histriônicas pela mesma canção, o corpo sentado, pendendo o tronco de um lado para o outro, como se num lá lá lá quase lisérgico, de baixíssima rotação, impressionante é como neste arremedo de sons e movimentos esta performance parecia conseguir hipnotizar o pensamento ao encontro de espelhos próprios dos espectadores, íntimos, ora engraçados e ao mesmo tempo, inversamente, não muito agradáveis. Como uma caricatura que revela o quão humano, e às vezes ridículos de fato somos.

A VERBO este ano esteve mais enxuta, em quatro noites. Um blackout no dia da abertura provocou uma ligeira desorganização (tirando muito da potência do trabalho de Lot Meijers, The Dinner) e parece ter espantado o público para os outros dias.

Na segunda noite, o falatório sem fim da longa performance dos portugueses Andresa Soares e Ricardo Jacinto, In a Rear Room - um tributo, deu um sono danado, mas parecia ser essa uma das intenções.

Na quinta-feira, 14/07, Rose Akras e Rob Visser suaram e arrasaram na plasticidade com a construção de uma espécie de teia de aranha com rolos imensos de fio de naylon (Movement with a Rest Product: Space), na sala central térrea da galeria. No mesmo dia, Eva Schippers pôs quatro artistas para correr numa esteira encarando a parede.

Quem consegui ver a performance para uma pessoa, de Eva Winger- Bearskin, com hora marcada previamente, saiu feliz. E ainda pelo último dia, a performance de Nir De Volff, What a Mess, uma espécie de monólogo tragi-cômico em inglês, foi bem chata, para não dizer constrangedora.

Talvez este ano a VERBO tenha sido menos interessante que a do ano passado. Mas o bom mesmo, quem sabe por ter menos artistas e menos gente, foi que nesses quatro dias na Vermelho o campo parecia estar mais aberto para ver, sentir, pensar, conversar, mudar e trocar de opiniões, idéias e afetos. Livremente, sem "carão", como sempre deve ser.

Ah! A caipirinha de limão galego do bar montado no pátio de entrada (R$ 8) era maravilhosa!

(foto de Julio Callado retirada do site "Festival Performance Arte Brasil".)

SP Arte 2011 (a feira das vaidades)

2011-05-20T07:10:00.010-03:00

Lá fora, enquanto fumava um cigarro, quinta-feira, umas quatro e meia da tarde, me fixo disfarçadamente em três jovens e belas peruinhas com seus convites na mão, entrando cada uma protegida pelo seu respectivo guarda-costas no pavilhão da Bienal.

O clima, de fato, é meio fashion, de esnobação. Um hype de “celebridades” do colecionismo. Ano que vem, na porta, certeza, não faltarão os fotógrafos plantonistas das mais confiáveis colunas sociais, assim como os da imprensa marrom.

O que será que colecionadores de arte, especialmente os jovens, entendem sobre arte? Talvez entendam mais de nomes, especialmente aqueles marcados na alta cotação do gosto (da maioria) e do mercado. Sim, falo de Vik Muniz, Os gêmeos, Adriana Varejão e por aí vai...

Mas logo de cara quando entro, depois de pagar R$ 30, vejo um Julio le Parc maravilhoso (outro nome importante), colorido, uma espécie de tábua de tiro ao alvo na parede externa do estande, talvez lounge, acho eu, da galeria Nara Roesler. Lá dentro, um trabalho de Lucia Koch não menos colorido e chamativo ao lado de um vídeo de Cao Guimarães. Depois, um belo tríptico de Antonio Dias. O negócio é pôr na vitrine para vender!

Tudo bem, estamos numa feira de arte: a SP Arte 2011. Bom para os galeristas e para os artistas, certamente. Para a arte, talvez não. E como não tenho lido muito os jornais, não sei de números, de nada, e nem no que deu. Sei o que vi: apesar de ter tudo para todos os gostos e bolsos, os gostos e bolsos, porém, parecem viciados. Inevitavelmente, a arte também.

A gente sente no ar a fórmula que faz tudo dar certo. O apelo dos trabalhos feitos para agradar, os nomes bacanas dos artistas (os que já são ou estão ficando cada vez mais famosos), somado ao know how comerciário dos galeristas e mais uma pitada de espetáculo e boom! A máquina gira, mas tudo continua na mesma.

Bandeirinhas do Volpi a dar com pau, que faz a gente enjoar e duvidar... Krajcberg aos montes (e o seu estande exclusivo caído, coitado); Soto a rodo; Mira Schendel para todos os lados; Lygia Clark; Helio Oiticica (os metaesquemas); Luiz Sacilotto (legal: pois, na verdade, artista que a gente pouco ouve falar ou vê); Sérgio Camargo; Amilcar de Castro (imaginem?); assim como Franz Weissmann; mais Le Parc; Ernesto Neto; belos e batidos Geraldos de Barros; Iole de Freitas; León Ferrari; etc, etc, etc. Ah! E ninguém é mais de ninguém: todos expostos em quase todos os lugares (leiam-se galerias).

Quem surpreendeu com diversos trabalhos completamente diferentes uns dos outros foi Carlito Carvalhosa. Bom de tê-los visto. Ascânio MMM (artista português, formado em arquitetura, pouco conhecido), apesar de ter o seu estilo bem familiar, também foi ótimo de ver, assim como os módulos de vidros sobrepostos de Iran do Espírito Santo e as esculturas de penas vermelhas de Lygia Pape.

O que mais? Tanta coisa, tanta coisa, tanta... As fotografias, confesso, tive imensa preguiça. Deixarei para a SP Arte/Foto logo mais. No entanto, não pude deixar de me atrair quase que instantaneamente por um exemplar da série de teatros de Hiroshi Sugimoto, numa galeria norte-americana que também expunha enormes retratos de Jack Nicholson e Angelina Jolie. Ah, vá!

SP Arte 2011 (não acaba)

2011-05-20T06:34:00.011-03:00

Alguns belos trabalhos novos de Monica Piloni, que à primeira vista parecem feitos de papel marche, mas não sei se realmente o são, faz a gente lembrar dos Fuscas derretidos de Sérgio Romagnolo, assim como nas aflitivas esculturas de mármore com espécies de roldanas de fixar ossos em convalescência de pós-operatório (as quais eu compraria todas), de Eduardo Climachauska, há um olho de Sérgio Camargo.

Rodrigo Andrade, Rodrigo Matheus, Raul Mourão, Nino Cais, Cícero Dias, Iberê, Pancetti, Tunga, Paulo Bruscky (apropriadamente e inteligentemente exposto no estande, de novo, de Nara Roesler), Alex Flemming, entre muitos outros, marcaram seus espaços na feira.

Claro que muita “coisa” que lá estava presente ou ausente eu não vi. Não vi Djanira, Jac Leirner, Monica Nador e nem Carmela Gross. Beatriz Milhazes sim! Tarsila do Amaral, acho que sim!

Não sou contra a feira, muito menos contra o bom sucesso de mercado (de vendas) dos artistas. Mas que a verdade seja dita: a SP Arte coisifica e joga a arte (todo mundo) num panelão de uma maneira um tanto quanto cruel. E tenho absoluta certeza de que se alguém chegasse ali, no pé do ouvido de algum marchand de escritório de arte pedindo um Romero Brito, este surgiria como num passe de mágica (se já não estava exposto e eu também não o vi). Há quem vá falar em preconceito, democracia ou sei lá o quê. Tá, tá bom.

A questão aqui é que existe, sim, um código cada vez menos secreto na produção artística contemporânea que atrofia o pensamento para a subserviência de um gosto do senso comum do mercado, cada vez mais acomodado e tendencioso. E assim as coisas vão. O que importa na vida, afinal, é ter dinheiro no bolso (para comprar), não é?

Conversando com um artista novo e talentoso, soube que ele precisou insistir bastante para o seu galerista tirar alguns de seus trabalhos do fundo do acervo (estoque) e colocá-lo decentemente às vistas dos passantes da feira.

Por outro lado, a própria feira está tão ciente de que as linguagens e os suportes (e até mesmo a criatividade) estão tão engessados, que num espasmo de urgência montou um segundo andar inteirinho do pavilhão com instalações (outra nomenclatura que já, já, já era...) de artistas quase novos e outros consagrados, onde pouquíssima gente circulava. Do mesmo modo, os debates com os artistas (que eu não fui em nenhum, mas que ouvi sobre depois) parecem terem sido bem profícuos.

De repente, especialmente para quem nem em sonho estava ali para comprar, estas eram a melhores partes da feira. Pelas instalações, onde bem circulei, tudo parecia ser incrível. De Regina Silveira à Alice Miceli, passando por Carla Gagliardi, Ana Holk, Rubens Mano, Marcelo Cidade, Raquel Kogan, Marepe, Renata Padovan, Paulo Vivacqua , Luiz Zerbini e outros mais... (filminho abaixo).

O meu medo é que hoje, artistas jovens e extra-ordinários, gente inteligente de uma criatividade inesgotável que “foge” radicalmente do sistemão meio pilantra e saturado de se fazer, de se entender e enxergar a arte: eles subvertem os modos, os suportes, a circulação e a propria ideia fixa de suportes e circulação; especialmente a turma do vídeo e da performance (e por que não outras turmas - da pintura e da arquitetura - se é que ainda há turmas), ao que parece, daqui a alguns anos, sugados pela demanda do mercado, fatalmente também se entregarão ao ofício de fabricar e vender bom-bons.

ANTONI

2011-05-06T19:56:00.007-03:00

Meias palavras não bastam para Muntadas. O ambiente quase alucinógeno. Duzentas, trezentas, quinhentas e cinquenta mil informações ao abrir a porta do elevador no quarto andar da Estação Pinacoteca.

Feito isso, uma vídeo arte sobre a tv feita para se ver em casa na tv. Uma espécie de delação dos insídios da televisão sob a lente do vídeo, ou melhor, da vídeo arte.

Parado aí, depois de um tempinho observando as duas grandes telas que projetam Video is television (1989) reconheço um flash de Debbie Harry em sua atuação no não menos propício filme para esta ocasião: Videodrome ( David Cronenberg - 1983).

Produção sobre o poder do vídeo-tape e os efeitos que este traria para o mercado áudio-visual norte-americano; filme que se utiliza da "low tecnology" para hilários e regozijantes efeitos especiais (mas não supera Naked Lunch, do mesmo diretor - 1991), e que certa vez, não sei por quê, anotei umas palavras de Cronenberg numa passagem:

"A batalha pela mente na América do Norte será travada na arena dos vídeos, o videodrome. A tela da tv é a retina dos olhos da mente. Portanto, a tela da tv é parte da estrutura física do cérebro. Portanto, tudo que aparece na tela da tv surge como pura experiência para aqueles que a assistem. Portanto, televisão é a realidade e a realidade é menos do que a televisão."

MUNTADAS

2011-05-06T18:44:00.006-03:00

Na sala ao lado, fotografias, vídeos e cartas compõem um sistema de arte postal. Assim, Muntadas enviou pelo correio 50 imagens de fotógrafos, que se lançaram profissionalmente através da revista Life, para 50 destinatários (5 fotos para cada um) legendarem tais imagens como bem quisessem.

Das fotos, distribuídas em mesas de vidro, brotam fabulosas histórias de guerra, de moda, de política e de amor. Dessa colaboração, vale citar as legendas das fotografias de Barney Petersen; Nina Leen; Gordon Tenney; Ralph Crane e Jhon Dominis. Ao mesmo instante, duas grandes telas passam imagens da tv americana das décadas de 70 e 80, que podem ser ouvidas através de fones acoplados nestas mesmas mesas. Uma ligeira confusão.

Noutro momento, o trabalho Satdium XIV escancara a força de um mundo midiático e acéfalo. Aqui, Muntadas acopla, mistura, reverte e subverte frases, palavras e significados com imagens de shows grandiosos (incluindo a Xuxa), jogos em estádio de futebol, discursos políticos, entre outras coisas, projetadas em quatro grandes telões. Panis et circences onde sons também se mesclam, como uma fala de Madonna naquela vozinha de gata no cio para o seu público do estádio, provavelmente de alguma turnê dos anos 90, alternado-se com um fervoroso discurso de Hitler em alemão.

O clima fica tenso por conta de um filme documentário sobre o medo; o atavismo; a imigração. Tratando-se sempre dos Estados Unidos da América (EUA). Opiniões de todos os nipes, vale o verbo de um senhor mexicano que diz mais ou menos assim: "a gente atravessa diversas vezes de Tijuana para San Diego. Mas aqui [no México], temos duas escolas de valores, o que é certo fazer e o que se deseja fazer. E, sim... temos uma tendência para a libertinagem."

Mas, insidioso mesmo é o trabalho inspirado no filme Alphaville, de Godard. Uma chacoalhada na sujeira debaixo do tapete, um ataque direto a este condomínio fechado da capital. Um mapa fotográfico de Barueri estendido no chão; o filminho francês passando numa edição especial; "mil" banners e cartazes (produzidos e montados com perfeição) com frases horrorosas na tenteativa de convencer:

Sua proteção é a nossa profissão; O sonho, o tempo, o sucesso. Sofisticado; exótico; diferenciado. Vigilância; eficácia. E outras denominações propagandísticas para prováveis lançamentos de condomínios na região: La frontiere; Villa Luxis; Dreams Vila Romana.

E Quem aguenta? Façamos il portoghese então. Sem mais.

Muntadas: Informação>>Espaço>>Controle

Estação Pinacoteca

Largo General Osório, 66

Sábado (estrada gratuita) e domingo (R$ 6): das 10h às 17h30 (com permanência até as 18h)

Até 8 de maio.

foto de Barney Petersen e cena de Videodrome

Seguirei sempre cantando...

2011-04-29T21:36:00.009-03:00

Prometi nunca fazer deste suporte um diário pessoal. Entretanto, hoje, me vejo obrigado a quebrar essa promessa. Um pouquinho só.

Há mais de um mês, numa peleja horrorosa com o monitor do meu computador, quando terminava um texto sobre a exposição de Thomaz Farkas no Instituto Moreira Salles, aqui em São Paulo, e tudo se interrompia. Ora tela rosa, ora tela azul. Até nada voltar e tela ficar preta de vez.

Mesmo com o dinheiro contadíssimo (contas a pagar, livros, análise, etc.), solicitei urgentemente a presença do técnico que trocara a placa de vídeo havia menos de três meses. Nada... Cano atrás de cano desse miserável, tratante, charlatão. Um tal de Rodrigo Freitas.

Depois, em guerra com a operadora Claro (que é roubo) me cobrando o que eu não devia nunca pagar. Não paguei e estou sem celular, ou melhor, sem poder ligar há mais de um mês também, mesmo pagando o tal plano.

Nesse meio tempo, uma citação judicial obrigou-me a contratar uma advogada (uma antiga amiga do colegial quem eu não via há quase 20 anos) e desembolsar mais do dinheiro que já está curtíssimo. Mesmo assim, reconectar-me a ela, a essa amiga, foi e está sendo ótimo! Poderosa a mulher.

Viver não é fácil. Contudo, sempre aparecem as pessoas legais (sempre mulheres) para ajudar: Vih, que está tentando resolver o problema do meu pc quase que na amizade (por um preço bom), sem nem mesmo ser minha amiga; Clau, minha recente flatmate, que gentilmente deixa o seu notebook à minha disposição quando sai para trabalhar (e quando volta também) e já aturou umas duas ou três das minhas pesadas bebedeiras; Adriana, minha faxineira; Marie Claire, me ajudando com outras questões; e por aí vai...

Para piorar, um desamor. Mas para melhorar, um tema promissor de pesquisa para escrever uma monografia (mesmo como ouvinte) na disciplina de História da Arte no Brasil, ministrada por Tadeu Chiarelli na ECA.

Nesses últimos dias, fico com a trágica e hilária cena da novela Insensato Coração: a coroa Carmen (Nívea Maria) infartando e morrendo no meio da rua quando descobre que o seu macho gostosão, Fred/Léo, só queria mesmo o seu dinheiro.

O desfecho se dá com uma chuva de notas de R$100 e tudo o mais. Um habilidoso ladrão que despertou a minha maldade e fez-me perguntar: por que ela não infartou quando o jovem rapaz fazia acelerar o seu maduro coração naquela hora g?

Bobagens infindáveis, certamente uma bela homenagem dos autores a Giulietta Masina em Noites de Cabíria, especialmente vindo do cinéfilo Gilberto Braga.

Ainda escrevo de uma abafada e animada lan house no baixo Augusta (que perigo!). Em seguida, o texto sobre Thomaz Farkas.

Sigamos com sorte.

Sinceramente seu,

Marcelo.

À caminho do Norte

2011-04-29T15:52:00.018-03:00

Em 1964, com o dinheiro do próprio bolso ele articulou uma equipe de jovens colegas fotógrafos e cineastas para sair numa caravana pelo Norte e Nordeste do país, documentando a vida de brasileiros que moravam nas periferias das grandes cidades daquela região.

Em tempos pouco propícios para que um projeto desse teor pudesse dar certo (era o início do longo período da ditadura militar, quando falar de Brasil ou de brasileiros se tornava um campo minado e perigoso), mesmo com a escassez de recursos, a pletora de entusiasmo, suor e amadorismo (no sentido puro da palavra) fez com que 19 documentários de curta e média metragem, intitulados “A Condição Brasileira”, fossem realizados com sucesso.

A idéia da caravana, pioneira na documentação sobre as manifestações da cultura popular nacional, torna-se ainda mais atraente ao saber que toda essa história tinha uma proposta essencial: a posterior exibição dos filmes em escolas como material pedagógico, criando uma ponte entre o Sudeste e o Norte/ Nordeste; traduzindo o singular para o plural.

Claro que pode parecer tolo ou até mesmo pretensioso querer escrever sobre THOMAZ FARKAS e a sua importância para a fotografia e para a história da fotografia e do cinema no Brasil. Na verdade, é papagaiar o que todo mundo já sabe, o que já foi dito. E pior: sem quase nenhuma propriedade. No entanto, desejos são desejos. Não há muito que explicar.

continua

Thomaz - primeira vez

2011-04-29T15:51:00.023-03:00

Honestamente, fiquei sabendo sobre quem era e sobre o trabalho (e, repito, sobre a importância) deste homem há exatamente um ano, numa oficina de arte e arquitetura na Oswald de Andrade, em São Paulo.

Depois do primeiro dia com as mútuas apresentações, de toda a verborragia sobre as intenções de cada um para querer fazer o curso, a “seleção” dos interessados (o que de fato não houve – e, pensando agora, o que me faz ficar ainda mais fã da pessoa, professora, artista e amiga Lucia Koch, quem idealizou e ministrou tal oficina), nossa “aula inaugural” se deu num encontro na Cinemateca Brasileira em ocasião de uma homenagem ao fotógrafo e cineasta, com a exibição do curta-metragem “Pixinguinha e a velha guarda do samba” e o lançamento da caixa com sete DVDs contendo os 19 filmes da “Caravana Farkas”.

Evento um pouco chato, meio longo. Uma falação de amigos, autoridades culturais, e por aí foi... Até que um de seus filhos e a mulher de Thomaz discursaram com emoção. Ele, já bem velhinho, se levantou e acenou para a platéia. Logo após, passou o filme com o Pixinguinha, o Donga e a turma deles da velha guarda do samba tocando numa tarde de abril de 1954 no parque do Ibirapuera. Incrível foi ver tudo aquilo ter sido filmado por um agora frágil senhor; o seu gosto (um húngaro naturalizado) pelo o que é verdadeiramente brasileiro e popular.

Encerrada a homenagem, tivemos que sair correndo para outra abertura de outra importante exposição no MAM: Flávio de Carvalho e “A Cidade do Homem Nu”, o que nos fez perder um cobiçado caldinho de feijão que iria ser servido na Cinemateca depois.

continua

À segunda vista

2011-04-29T15:50:00.013-03:00

Assim, quando veio a 29ª Bienal de arte de SP já estava mais familiarizado com Flávio. E na bela exposição “As Construções de Brasília”, em cartaz no Centro Cultural Fiesp (SP) até meados de janeiro último, idealizada pelo mesmo IMS, meus olhos se voltaram não somente para as badaladas imagens de Marcel Gautherot e Peter Scheier, mas também para as fotografias de Thomaz Farkas com especial atenção.

O tempo passou e eis que o fotógrafo, o engenheiro, o cineasta, o professor da ECA, ressurge numa exposição no Instituo Moreira Salles, “Thomaz Farkas: uma Antologia Pessoal”. Um belo apanhado de sua vida e de sua poesia organizados pelo Instituto em parceria com o próprio Thomaz, morto recentemente, e seus filhos, Kiko e João Paulo.

“(...)Percorrer os anos de transformação de um jovem imigrante que fotografava seus gatos, sombras, efeitos gráficos, texturas e vistas da janela de casa, num documentarista e desbravador da alma brasileira, tendo por guia as imagens quadro a quadro de suas escolhas fotográficas, registradas nas cópias-contato, foi uma tarefa profundamente prazerosa. Examinar pela primeira vez todos aqueles negativos ofereceu a mim e ao Kiko uma experiência de reconstrução afetiva e de descobertas estéticas...”, escreve João Paulo Farkas num dos textos do catálogo da mostra.
continua

E a exposição

2011-04-29T15:47:00.031-03:00

Logo na entrada, uma jovem Melanie Farkas, a então esposa de Thomaz, posa timidamente sob uma luz solar intensa, emoldurada pela “alvenaria” de um monomotor, foto de 1940.

Seguem-se, ainda pelos anos 40, as paisagens cariocas (Vista de Copacabana – 1946) e algumas paulistas (Cena Noturna – 1943) com vapores expressionistas e ao mesmo tempo românticos, me remetendo a algumas gravuras de Goeldi, num imaginário nostálgico e lento de como era o antigamente.

Na mesma sala, pelo mesmo decênio, as formas sugestivamente abstratas aparecem nas “Telhas” (1945) e no “Gradil do Viaduto Santa Ifigênia” (1945), assim como o ideário de um Brasil moderno pode ser sentido em imagens como “Marquise do Cassino de Pampulha” (1949), ou mesmo antes, através da franca identidade construtiva marcada em suas peculiares angulações das fachadas do Ministério de Educação e Saúde do Rio de Janeiro (1945 – 1947).

Noutro instante, na sala ao lado, as fotografias vão tomando formas mais “humanas”, apesar desse indício estar presente em toda trajetória da exposição: na “Sombra do fotógrafo José Medeiros” (1946), ou na própria “Cena Noturna” citada anteriormente, ou na microsérie “olímpica”, e aqui impossível não se lembrar de Leni Riefenstahl.

Parecem ser em suas “Experiências surrealistas com os colegas da Poli” (1947) ou nas belíssimas poses de bailarinos que Thomaz começa a focar a sua obcjetiva em gente.

Mas é antes, lá por 1941, 1942, na série do “Estádio do Pacaembu”, em São Paulo, e em seus desdobramentos que o fotógrafo já esmiúça caracteres, etnias e situações, que se alongam para o Rio de Janeiro, “Roda de samba” (1946), para Brasília, para a Bahia na década de 70 (fotos coloridas com ares pop) e para uma expedição ao Rio Negro, em 1975.

Portanto, não há “fases” cronológicas definidas em Thomaz, mas uma opção curatorial que se esmera em “dividir” por assim dizer o enfoque de sua poética. Dentre as imagens, duas ou três mesas com documentos, cópias positivas originais (as tais vintages), e câmeras do fotógrafo são mostradas.

Naquela homenagem, sobre Thomaz alguém disse mais ou menos isso: "um olhar incansável de alguém que se antecipa às coisas que podem virar fotografia".

Por minha vez, um olho feito de réguas, esquadros e compassos que dão a exata medida de todo o sentimento frente alguma coisa.

Para o futebol no Pacaembu, ia-se de terno e chapéu (às vezes de gravata...). A garotada porém tinha a melhor visão, naturalmente de graça, através das grades e por cima das árvores.
(Thomaz Farkas sobre São Paulo em: artistas da usp vol.11, edusp).

Thomaz Farkas: uma antologia pessoal
Instituto Moreira Salles
Rua Piauí, 844, 1º andar, Higienópolis - SP
Sábado e domingo - das 13h às 18h (último final de semana)
Até 1º de maio

QUEM TEM MEDO DE MARINA ABRAMOVIC?

2011-02-03T22:28:00.025-02:00

Curioso é saber que no primeiro item do seu Manifesto sobre a vida do artista, intitulado a conduta de vida do artista, está escrito, entre outras coisas, e repetido por três vezes:

- os artistas não devem se transformar em ídolos.

No entanto, em inúmeras vezes, pode ser difícil não imaginar a presença de uma espécie de entidade espiritual baixando em seu corpo na ação de seus trabalhos, ou melhor dizendo, em suas performances, a mais simples que seja.

Aquele fluído extra-sensorial quando ouvimos ou vemos Maria Callas cantar, ou Bette Davis atuar, entre tantas outras divas e senhores das artes, também sobrevoa, sem nenhuma dúvida, as performances de Marina Abramovic . Talvez seja a dimensão trágica na máxima potência que essas mulheres carregam (carregaram) em suas expressões artísticas que faz a gente crer e sentir o sobrehumano atuando em suas apresentações, transformando-as, mesmo sem querer, em ídolos.

Longe da intenção de reduzir o trabalho do artista a uma “inspiração divina”, ou pior, a uma “manifestação do inconsciente”, o fato é que invariavelmente as performances de Marina parecem transcender os limites do possível, assim como o próprio autocontrole que o artista supostamente deve ter sobre a sua obra.

“Se você conseguir controlar a sua mente, você controla o seu corpo e todo o mais...”, diz a consagrada e experiente artista sérvia, que esteve em São Paulo no fim do ano passado para a abertura de sua (imperdível) exposição Back to Simplicity, na galeria Luciana Brito, Vila Olímpia.

"O ARTISTA DEVE, CADA VEZ MAIS, TER MENOS" - de volta à simplicidade

2011-02-03T22:01:00.010-02:00

No invólucro da natureza, em Back to Simplicity ela deposita e repõe suas energias depois de longa jornada museu adentro, no MOMA, quando numa aclamada retrospectiva criou, de lambuja, a performance A artista está presente.

Do começo de março ao fim de maio de 2010, durante o expediente do museu em Nova York, Marina estava lá: sentada numa cadeira esperando o público chegar, para que este individualmente se sentasse noutra cadeira em frente à dela e, por tempo indeterminado, ficasse encarando a artista que ali permanecia imóvel, olhando e “vivendo aquela incrível conexão humana”.

“O público é sempre considerado um grupo, mas no conceito dessa performance, o público se tornou uma experiência individual. Você podia sentar e olhar nos meus olhos pelo tempo que quisesse. A ideia era, no momento presente, no aqui e agora, dar um amor incondicional para aquele total estranho à minha frente”.

Comoções e reações mil, choros, risadas, a performance pôde ser acompanhada em tempo real pelo site do museu. De fato, impressionante!

Aqui, na galeria em São Paulo, Marina agora é vista submersa em rebanhos de ovelhas, ou rodeada por montanhas, árvores e flores, numa espécie de reflexão da vida, saudação e reverência. Ações registradas em fotos e vídeos, como num em que ela dorme lindamente aos pés de uma senhora árvore.

“A artista está presente me trouxe a consciência da temporalidade da vida. Que a morte é parte da nossa vida. E vi que o presente é o único momento que você pode curtir e desfrutar, e nada mais. Então quando terminei esse trabalho, eu tive a necessidade de voltar ao natural, para ritualizar a simplicidade: beber um copo d’água, olhar para as montanhas, segurar as ovelhas, pensar nas árvores, que são imortais...”

"O SOFRIMENTO TRAZ TRANSFORMAÇÃO" - uma retrospectiva

2011-02-03T21:38:00.009-02:00

No segundo andar, na mesma galeria, uma retrospectiva com alguns dos trabalhos mais conhecidos da artista: vídeos e fotos de performances que vão de 1975 a 1980 (a maioria realizada com o artista alemão Ulay, com quem Marina foi casada), além de trabalhos da série The Kitchen (2009), feitos numa cozinha abandonada de um convento de freiras da ordem dos Cartusianos, na Espanha, onde Abramovic “levita” sobre o local, mostrado num dos vídeos.

Uma performance de 1975, Lips of Thomas, refeita e gravada trinta anos depois, pode ser vista talvez como um dos trabalhos que mais desconforte a atenção do observador.

Com uma receita aparentemente simples (1 kg de mel; 1 litro de vinho tinto; 1 taça de cristal; entre outras coisas),a ação vai tomando um corpo cada vez mais trágico, emotivo e de auto-multilação.

Nua, sentada numa mesa, Marina toma o mel de colheradas e bebe o vinho vagarosamente. Depois, quebra a taça, se levanta e entalha no abdômen, com uma lâmina, uma estrela de 5 pontas (para onde está mirado um aquecedor para fazer o corte sangrar). Na sequência, ela veste coturnos e uma boina de guerra e canta uma espécie de hino folclórico russo, se emocionando, para então se açoitar exaustivamente e, por último, se deitar num bloco de gelo em forma de cruz.

A ação se repete continuamente nesta ordem (mel, vinho, corte no abdômen...) por horas a fio. Ao lado, outro vídeo vai mostrando as fotos da performance original, de 1975, com uma Marina bem jovem, aos seus 29 anos.

Outro trabalho bastante aflitivo (o adjetivo que encontro para a definição mais simplória de ver e sentir essa obra) está registrado numa belíssima série de fotografias: A arte deve ser linda; O artista deve ser lindo.

Com uma escova na mão direita e um pente na mão esquerda, ambos feitos de metal, Marina vai deslizando essas “ferramentas” sobre o seu negro e grosso cabelo e repetindo as frases que intitulam a performance até machucar o seu rosto e ficar inteira descabelada.

"O ARTISTA É UM UNIVERSO" - uma breve biografia

2011-02-03T21:03:00.013-02:00

Nascida em Belgrado, a obra de Marina Abramovic parece ser indissociável de referências à guerra e dos conflitos político-religiosos e territoriais que envolveram a região dos Balcãs durante quase todo o século XX.

Evidentemente, seus trabalhos vão muito mais adiante do que uma intenção de engajamento político através da arte, apesar da política propriamente dita ser quase que inerente à sua vida: aos 20 anos, se filiou ao Partido Comunista iugoslavo e aos 22, em 1968, lutou no movimento estudantil contra o ditador Tito.

Mas antes de tudo, Marina sempre pensa e utiliza o seu corpo, assim como se utiliza de objetos, para constituir ideias plásticas (muitas vezes no limiar entre as estéticas barroca e realista) em ações que digam respeito às histórias de sua vida: de como vê e sente o mundo; as suas dores e os seus amores.

É dessa notória expressão autobiográfica em suas performances, estejam elas nas chaves irônicas, trágicas, existencialistas ou delatórias, sempre com uma busca transgressora pouco crível de limites do corpo, da mente e da dor, que o estilo de Marina fica marcado.

Interessantes pinceladas sobre a sua vida e obra (de fato, indissociáveis) podem ser vistas no documentário Balkan Barroque, do cineasta francês Pierre Colibeuf, http://www.viddler.com/explore/ManooN/videos/27/.

Além do filme, e dos vários livros (a maioria em inglês) sobre essa artista da velha guarda, uma das pioneiras da performance nas artes visuais, já com pupilos espalhados em vários lugares do mundo, outra fonte fácil de acessar para saber mais sobre o trabalho de Abramovic (principalmente para aqueles que não conseguem ficar sem explicações verbais, ou racionais, sobre o que vêem em arte contemporânea) está no site da galeria Luciana Brito, http://soundcloud.com/user9191787/marina-abramovic-original, numa palestra que a própria Marina deu quando esteve aqui em São Paulo.

Dessa fala deliciosa, dentre tantos assuntos, é no mínimo engraçado saber que a bela mulher, politizada e aparentemente forte, poderosa e controladora (no sentido de seu desempenho em suas impactantes performances e sobre as projeções destas no âmbito artístico) se achava feia; era alta, magra e nariguda e com isso sofria quando menina. Sonhava em ter um nariz igual ao de Brigitte Bardot.

“Eu tenho uma teoria: quanto pior a sua infância, melhor você será [como artista], porque ninguém faz bons trabalhos [de arte] pela felicidade, mas pelo sofrimento...”

Ao que parece, a galeria Luciana Brito fez um bom apanhado desse "sofrimento", em exposição prorrogada até o dia 12/ 02, com vídeos, fotos e histórias que envolvem, acolhem e sensibilizam o espírito, dos mais fortes e alegres aos mais frágeis e sofríveis. Da Vila Olímpia, saí pensando que um dia preciso ver ao vivo uma performance ou qualquer outra coisa dessa mulher.

O fato é que a real tragédia que acomete o nosso mundo não está exatamente representada nas ações “dolorosas”, melancólicas e nada convencionais de Marina Abramovic, mas na crença que há quase três séculos a sociedade capitalista industrial continua a profetizar: a tola ideia da felicidade plena, que se não é sentida pode ser comprada, e que a gente sabe muito bem que aqui na Terra dificilmente isso um dia vai existir.

Marina Abramovic - Back to Simplicity

Luciana Brito Galeria

Rua Gomes de Carvalho, 842, Vila Olímpia - São Paulo

Terça a sexta: das 10h às 19h

Sábados: das 11h às 17h

Até 12 de fevereiro

O QUE DIZER?

2011-01-18T01:54:00.016-02:00

Quatro meses se passaram, e nada de escrever. Precisava desse hiato. Vi e aprendi mais coisas sobre arte, repensei as consistências, os termos, as formas. Foram muitas novidades: ouvinte de duas disciplinas de teoria da arte, na ECA; oficina de poesia; grupos de estudos de “arte + arquitetura”; novos amigos; novos autores; novos artistas; novos amores. Diversas exposições, galerias, palestras. Uns seminários, um simpósio, uma bienal. E o cenário, sempre São Paulo.

Comecei a ter um medo louco de errar. Entre outras coisas, de ser leviano com tudo aquilo que as Sônias, as Lucias e outras pessoas importantes na minha formação, ainda diletante, de um longo caminho para ser crítico e curador de arte, me diziam, apontavam, ensinavam. De repente travei.

Chegou dezembro e o meu computador pifou. Eu simplesmente não tinha dinheiro para consertá-lo. Foi ótimo, desviciei do youtube e do facebook. Ademais, eu podia ficar realmente sem escrever, e obliterando a maldita culpa!

Novamente, surge a vontade de registrar experiências, percepções. Sem a preocupação de elas serem necessariamente sobre arte. Mas sei bem que será impossível evitar. Elas (as experiências, as palavras) estarão quase sempre vagando por esse universo (para usar o termo da moda): o das "artes visuais".

Também tenho tido claro que a filosofia, além dos célebres autores de História da Arte, vai protagonizar por muitas vezes nos meus estudos. No entanto, a briga agora é com a disciplina (tê-la) para ler, entender, anotar (fichar) e resumir textos e obras. Uns caras bem “fáceis”, tipo Heidegger, Benjamin, Flusser, Deleuze, Foucault..., fora outros que estou me esquecendo e os clássicos gregos.

Penso que os meus textos, porém, longe de qualquer erudição, estarão mais para a “gaiola das cabeçudas”, de Marcelo Adnet, do que para críticas ou ensaios muito sérios sobre arte. Diferentemente do que estava iludido a crer, constato que pensar ou produzir cultura é dificílimo. Vamos ver...

E tudo, ou quase tudo, me encanta. Neste momento, penso num projeto de pesquisa sobre as performances de Nina Hagen, pós-modernérrima, rizomática e com um pé na tradição (sua formação é em canto lírico).

Pra lá e pra cá, eis o caminho. E o fim não está nada perto. Volto a pensar, aprender, a falar e aqui escrever sobre arte. Ainda verde, não obstante, com mais força!

Imagem: PABLO PICASSO (em "Le Mystère Picasso", de Henri Clouzot)

ÁGUA

2010-09-12T06:54:00.004-03:00

ANIMADA

TRANSBORDA o pensamento

o sufoco afogado

ONIPRESENÇA

Lúbrica

Delgada

Indolente e cínica

Bebe o choro

seiva vital

EMBRIAGUEZ

afaga e se cansa

TEMPERAMENTAL

inexiste

evapora

imagem: EDUARDO COIMBRA (superfície líquida)

RAMPAZZO E A ÁGUA

2010-09-09T15:14:00.012-03:00

Gilson Rampazzo é uma figura ótima e totalmente ambivalente: taciturno e engraçado; meio grosso, ríspido (faz gênero) e amoroso. Professor do Curso de Iniciação ao Texto Literário, no Museu Lasar Segall, em sua primeira aula, há 15 dias, depois de ensinar, entre diversas coisas, as preocupações significantes de quatro versos de uma música de Chico Buarque (o que só fez confirmar a genialidade deste músico-poeta), Gilson pediu para a turma escrever, como lição de casa, um poema sobre a ÁGUA.

Na semana seguinte estávamos lá, num fim de tarde de quarta-feira, lendo poemas e sendo avaliados, um por um. Dandismo escancarado! Porém, no meu caso, sem o "crédito ilimitado" [de dinheiro] que um legítimo dândi deve ostentar, segundo Baudelaire.

Agora, imaginem a minha vontade de sair de casa, onde eu terminava de ver o emocionante final de Paris, Texas (Wim Wenders) no dvd, para ir até a Vila Mariana declamar um poema sobre a água? "Muita desocupação!", dizia a minha cosciência carrasca. Aquele velho mito, ou estigma, da equação poeta = vagabundo.

Mas o que poderia ter sido um show de horror, ao contrário, foi muito bom. Trocas de ideias, palavras, risadas e afetos. E numa de suas idiossincrasias, Gilson solta essa:

- Eu vou dar a minha definição de poema, mas ela está ERRADA!...

"Poema é uma forma de redação que usa a palavra na sua totalidade".

- Palavra na sua totalidade??? O que siginifica isso???

- Olhem que bobagem!, conclui o estimável professor.

ÚLTIMOS DIAS DE SANDRA CINTO NO ITO

2010-07-30T06:57:00.008-03:00

Depois de uma semana agitada, com a incrível mostra anual de performances de artistas, VERBO, na Galeria Vermelho e CCSP, e o Festival Internacional de Linguagem Eletrônica, FILE, na FIESP, é super válido dar um pulo, por não dizer imperdível, no Tomie Ohtake para ver o belíssimo trabalho de Sandra Cinto, Imitação da Água, no seu último final de semana de apresentação, até domingo, 31/07, nesta capital.
Ondas prateadas feitas à caneta, com traços de variadas espessuras, vão formando uma comunidade de nuvens pontiagudas, às vezes retorcidas em caracóis macios e afetuosos, ou construindo uma cadeia de montanhas que, na verdade, representam o movimento oscilante das águas do mar.
Num primeiro instante, desse emaranhado infinito de ondas, feitas incansavelmente, ora em telas, ora diretamente na parede da sala redonda do andar térreo do Instituto, onde Sandra foi ajudada por dois artistas assistentes (neste momento, paira a dúvida se não seria bacana ter um vídeo, provavelmente passando em outra sala, documentando o processo de construção desse site specific), surge na memória a famosa Grande Onda, da gravura de Hokusai.
Mas não é só Hokusai que a artista parece evocar (impossível saber se intencionalmente ou não). Pode ser que aqui, suas inspirações sejam diversas: desde os escritores (João Cabral de Melo Neto é certo) cujos livros empilhados formam um dos pés do banco-escultura (onde se pode sentar), que ocupa uma das salas da exposição, até outras marcas da arte Edo japonesa (séculos XVII – XIX), quando se usavam aplicações de ouro e prata para decorar as pinturas, gravuras e desenhos, geralmente paisagens compostas sempre pelas formas planares, uma maneira potente de eternizar, ou congelar, a impermanência das ações presentes, ou da própria vida... (continua)

SANDRA CINTO NO ITO (PARTE II)

2010-07-30T06:27:00.010-03:00

Depois, num segundo instante, das ondas prateadas de Sandra podem surgir os tradicionais telhados japoneses, da arquitetura dos templos antigos. Mais além, alguns aspectos da filosofia da cultura nipônica, da obstinação, disciplina e paciência, certamente também operam nesses trabalhos, assim como, muito subjetivamente, o culto à sombra também se faz presente através das telas negras salpicadas pela tinta prateada das canetas “pen touch” (provavelmente o tipo de caneta usada pela artista, com ponta de nylon e tinta líquida prateada).
A instalação de um amontoado de barquinhos de papel espalhados pelo chão, numa dentre as três galerias que abrigam os trabalhos da artista no Instituto, dialoga com as telas pintadas em acrílica, grafadas com as infinitas ondas prateadas e nos aproxima da arte do origami.
Num último momento, como quase tudo em Imitação da água nos leva mesmo ao Japão, é impossível não fazer um paralelo, talvez não muito apropriado, da caligrafia obsessiva das ondas de Sandra Cinto com os intermináveis e maravilhosos pontos, provindos do transtorno obsessivo compulsivo, da artista japonesa Yayoi Kusama. No entanto, enquanto Kusama navega por ondas incomodativas e angustiantes, apesar de esteticamente atraentes, Sandra Cinto faz de seus infinitos e repetitivos traços um convite à calmaria, ao espiritual, ao rito, e desperta no espectador um sentimento quase religioso.

Sandra Cinto - Imitação da Água

Instituto Tomie Ohtake

Rua Coropés, 88 - São Paulo.

Terça à domingo: 11h às 20h

Até 31 de julho

Entrada gratuita

(Há mais três exposições no Instituto)

TÍTULO

2010-07-24T11:24:00.006-03:00

DIA CINZENTO

INCERTEZAS

TEXTOS DE GALERIAS DE ARTE ESQUISITÍSSIMOS

QUASE CHATOS!

PORNOGRAFIA NORTE-AMERICANA

RAÇA BRANCA-AGUADA

PÍLULA DE CAFEÍNA COM GUARANÁ

YONAMINE, SARA RAMO, CINTHIA MARCELLE, PJOTA E TALVEZ...

VINCERE NO CINEMA

SEMPRE A DEGLUTIR AVIDAMENTE UM PEDAÇO DA CIDADE

DEPOIS GOZAR E DORMIR

SONHAR COM ARTE, ESCULTURAS EXPANDIDAS
AQUELAS DOS ANOS 60 E 70

SILÊNCIO E CORES IDEAIS

ARQUITETURA E VAZIO

VAZIO?

LAND ART

OS RAIOS DE MARIA

O SOL APARECEU.

QUERIDA HANNAH...

2010-07-17T21:55:00.006-03:00

Nesta última terça-feira, a Caixa Cultural de Brasília abriu uma exposição de xilogravuras de uma artista de 87 anos, Hannah Brandt, quem eu tive o privilégio de entrevistar e saber um pouquinho de sua vida e obra, no ateliê que fica no mesmo local de sua casa, no Butantã, em São Paulo.
Esta oportunidade surgiu através do produtor da exposição O Território poético da Hannah Brandt, Roberto Palazzi, quem eu conheci recentemente na oficina de curadoria “experiências dialógicas”, no Centro Cultural da Espanha.
O produtor me pediu um texto release para divulgação, mas não sei exatamente para onde ou para quê foi, ou serviu, o meu texto. Na verdade, eu nem me preocupei muito com isso. O importante foi ter tido a experiência de conhecer a obra e a pessoa dessa queridíssima senhora judia, super inteligente, lúcida e carinhosa.
Como iniciante no jornalismo de arte, trabalhei gratuitamente, porém com grande prazer. E no fim, tive a liberdade de não fazer propriamente um release (que eu detesto!), mas um brevíssimo ensaio sobre a vida e a obra de Hannah.
Quando em seu ateliê, vi uma gravura com um menino carregando uma lata ao lado de um burrico, de 1968, e exclamei: Que lindo!, a sra. Brandt disse: - Você gostou? Pode ficar com ela!
Nem é preciso dizer mais nada... Aliás, só mais uma coisa:
- Que a Sorte e a Arte estejam sempre ao meu lado!

E o textinho saiu assim...

SOBRE A ARTISTA

2010-07-17T21:22:00.004-03:00

Ela nasceu em tempos difíceis, numa Alemanha entre guerras, cada vez mais absorvida pelos ideais do nazismo. Sendo judia ashkenazi, descendente de judeus alemães por mais de trezentos anos, a família Simon, seu nome de solteira, não poderia mais morar naquele país. Primeiro foram para Neidenburg, ao norte da Alemanha, mas logo tiveram que fugir para a Holanda e após dois anos, decidem vir para o Brasil.
“Em Neidenburg, vimos Hitler [recém nomeado chanceler pelo presidente Hinderburg] passar em carro aberto e ser reverenciado pelo povo, bem em frente a nossa casa. Meu irmãozinho, Ernst, de três anos, ficou atrás da porta com uma vassoura e disse: ‘É ele que quer nos matar? Ele que venha, ele que venha!’”, relata Hannah Brandt às gargalhadas, pela inocência do irmão.
Em maio de 1935, ela imigra para Santos e aos 14 anos, muda-se definitivamente para São Paulo. Desde criança gostava de desenhar, mas nunca imaginava ser artista. Porém, da arte ela não escaparia. Em sua casa o clima era de grande erudição: sua mãe tocava piano e seu pai era restaurador de quadros e selos, em sociedade com um amigo pintor, Klark Klanhe, com quem Hannah tivera uma única aula de desenho antes de começar a pintar profissionalmente.
“O sr. Klanhe me deu um pedaço de carvão e pediu para que eu desenhasse o seu retrato num papel. Não satisfeito, o professor apagou o desenho e pediu para que eu o refizesse até o retrato ficar bom. Dessa lição, aprendi para o resto da minha vida, não guardar o que não presta”, diz a artista, referindo-se aos seus trabalhos quando ela acha que não estão bons.
Casou-se aos 19, com Henrique Brandt, e teve três filhos. No fim dos anos 1950 e começo dos anos 1960, estuda pintura com Durval Pereira e gravura com Lívio Abramo e Maria Bonomi. Quando recebe a indenização do governo alemão pelo holocausto, Hannah paga um curso de arte por correspondência na Famous Artists School, Westport, Estados Unidos. Na década de 1970, ela ganha diversos prêmios em Salões de Artes, entre eles, em 1973, o da Bienal de Gravuras de São Paulo.
Hoje, aos 87 anos, Hannah Brandt vive e trabalha em São Paulo. Aos fundos de sua casa, no Butantã, está o seu ateliê, com uma enorme biblioteca de arte e religião, onde ela pinta (não produz mais gravuras) diariamente, com exceção aos sábados, o shabbat, o dia sagrado de descanso dos judeus.

SOBRE A EXPOSIÇÃO

2010-07-15T04:03:00.011-03:00

O menino canta e conversa enquanto engraxa o sapato de um freguês-fantasma que mora na sua imaginação. Ao acaso, quando viu essa cena numa cidadezinha do interior de São Paulo, ela se sensibilizou e naquele mesmo instante se pôs a desenhar o pequeno engraxate sentado num banco de estrela. Ali, Hannah Brandt só estava praticando o que a vida inteira foi sua verdadeira vocação: desenhar, pintar e gravar imagens das coisas que existem no mundo, extraindo a quintessência de tudo que é humano e natural.
O Território Poético de Hannah Brandt, exposição que abriu nesta terça-feira, 13/07, na Caixa Cultural de Brasília, revela a obra da artista alemã-paulistana, com 65 xilogravuras que abrangem 40 anos de sua produção: do final dos anos 1960 (quando os ensinamentos do famoso gravurista Lívio Abramo ainda exerciam alguma influência sobre o seu olhar e técnica) a meados de 2000, ocasião em que a sra. Brandt já tinha absoluta autonomia sobre suas inspirações artísticas.
A exposição começa com gravuras de 1968 / 69, destacando desenhos organizados sob a matemática da perspectiva e que sinalizam alguns gens das escolas realista e pós-impressionista européias, traduzidas, aqui, para as vistas do cotidiano brasileiro. Num segundo instante, ainda pelo fim dos anos 60, Hannah aplica uma dose extra de dramaticidade em seus trabalhos. Figuras que prenunciam uma visita sutil ao expressionismo das primeiras décadas do século XX na Europa. Numa esfera mais reflexiva, essas personagens dramáticas, quase disformes, materializam-se pelo eufemismo da miséria, da solidão, da injustiça social e da fome.
Em fase seguinte, predominam as paisagens naturais geometrizadas, trabalhadas sob perspectivas menos rigorosas, lambuzadas de cores e movimentos que quase sugerem um desequilíbrio romântico, mas que, na verdade, estão inscritas na atmosfera fantástica, por vezes beirando a abstração. Também nesse momento, Hannah parece se apropriar com mais consciência do veio da madeira para enriquecer os detalhamentos de suas composições.
Na última parte de O Território Poético..., dos anos 1980 ao começo de 2000, a artista, sempre fiel à técnica da xilogravura, se mostra à vontade para permear (e hibridizar) todos os pensamentos estéticos de seu percurso: gravuras supostamente feitas em desenhos planares, num segundo olhar, se abrem numa extensa malha perspéctica. As formas humanas, esquecidas por quase uma década, voltam à cena coexistindo na paisagem natural, esta última esquadrinhada pelo uso frenético, entretanto bem equilibrado, da cor (como nos mosaicos de outra fase de sua produção). Nesse momento, entre 1990 e 2000, Hannah parece transitar num mundo onde a singeleza e a imponência andam juntas. O Homem comum em perfeita harmonia com o infinito. A natureza resignificando o Humano, e vice-versa, num ciclo constante de renovação. É justamente dessa dança, pintando, desenhando, ou gravando na madeira os organismos vivos da Terra, que Hannah Brandt, hoje aos 87 anos, sempre tirou e tira a seiva de uma vida produtiva e feliz.
A arte para mim é uma benção, é o que há de mais profundo e pessoal. É a minha doação. Nas minhas gravuras, as mais dramáticas, eu não quero passar tristeza e nem dor. Há um pensamento por trás de tudo, de todas as gravuras que faço; é a compaixão. E a gravura, além de dar continuidade ao meu desenho[por ser uma técnica de reprodução] estende esse sentimento também. Sinto que sou artista quando transmito as minhas ideias pelo desenho, pela minha expressão. O meu único intuito é atingir os corações. (Hannah Brandt).

O Território Poético de Hannah Brandt
Caixa Cultural de Brasília
Galerias Piccola I e Piccola II
SBS Qd. 4 lote 3/4, anexo do edifício Matriz da Caixa
Terça a domingo: 9 - 21h
Entrada gratuita

UM CONVITE, O ENCONTRO...

2010-06-29T01:41:00.007-03:00

Há dez dias, numa sexta-feira, uma boa surpresa! Patrícia Francisco me convidou para escrever sobre os livros de artista que ela está expondo na Galeria Vermelho, SP. Tudo muito rápido, nos encontramos no domingo, quando conheci os trabalhos e conversamos sobre as suas inspirações, escrevi na segunda e mandei o texto na terça, dia da abertura da exposição.

Em meio ao encerramento da minha oficina de Arte + Arquitetura e ao início de uma oficina de curadoria "experiências dialógicas", a semaninha já começava longa, cansada, mas deliciosamente produtiva...

Tive sorte. Gostei muito dos trabalhos, assim como de Patrícia, quem eu conheci um pouco melhor naquele dia. Uma artista extremamente sensível, doce, inteligente e de uma generosidade incomum. Pra mim, esta última qualidade é essencial em qualquer ser-humano, mas principalmente no artista. Tanta gente que faz coisas lindas, mas que na verdade são artistas egocentrados, esnobes, mesquinhos e que no fundo só querem aparecer. Enfim... isso daria uma longa discussão política sobre a ética da arte e o papel do artista no mundo, assunto que pretendo escrever em breve com a leitura de entrevistas (depoimentos) de dois artistas publicadas em livros, Lucia Koch e Thomas Hirschhorn.

À parte da nossa conversa sobre os livros em homenagem ao Héilo Oiticica, me encantava saber das histórias de Patrícia ainda no tempo do Instituto de Arte de Porto Alegre, na UFRGS, quando pela primeira vez ela ouviu falar de seu artista-ídolo e que logo depois viria a conhecer, na Bienal de Saõ Paulo de 1998, e definitivamente se apaixonar pela sua obra.

Entre uma empanada e outra, numa mesa de calçada na vila Madalena, falamos de seu amor ao samba e de sua tentativa, há alguns anos, de fazer um documentário no morro da Mangueira. Mas quando foi desconselhada por pessoas da comunidade e pelo próprio diretor da escola de samba, pois ficaria muito vulnerável à violência local, a artista naquele mesmo momento desistiu.

Mais interessante se tornava a conversa ao saber que Patrícia queria ser pianista e estudou longos anos para isso. Confessou-me que sua intuição auditiva não era tão boa. Contudo, a visual sim.

De volta ao apartamento, vi um vídeo que ela fez em homenagem à memória de sua avó Ana (lindo!, lindo!) e no final, escutei o hino de Exaltação à Mangueira gravado em sua voz à capela, para se ouvir ao mesmo tempo que folheamos os livros "das Cores", o "Monocromáticos" e o do "Incêndio".

Depois de quase cinco horas juntos, fui pra casa pensativo e feliz, tomado pelo espírito da delicadeza do trabalho e da pessoa que é Patrícia. No entanto, eu me sentia tenso. Será que eu daria conta de traduzir (escrever) tudo aquilo que eu senti? Me pus então a trabalhar...

E AS PALAVRAS!

2010-06-29T01:02:00.008-03:00

OITICICA EXPERIENCE nasceu da tristeza de uma perda. Do luto e de uma profunda admiração. De um desejo de respeito e preservação de memória.
No dia em que acordou e soube que quase toda a obra de Hélio Oiticica estava reduzida às cinzas, Patrícia Francisco não quis acreditar. Instantaneamente pegou o telefone, ligou para a irmã, para uma amiga e ainda desabafou com a empregada que estava em seu apartamento naquela manhã. Sem entender nada direito, tentando digerir a estranha notícia, Patrícia começou a dobrar papéis de seda vermelho à procura de uma resposta para uma questão que pairava em sua consciência de artista: o que ela deveria fazer em relação a esse fato que abalava não somente o seu amor pelo trabalho de Oiticica, mas se estendia como uma terrível perda de patrimônio cultural?
Após três dias Patrícia achou uma resposta: ela faria livros de artista em homenagem à preservação da MEMÓRIA (tema recorrente no seu trajeto de pesquisadora, cineasta e artista) DA OBRA DE HÉLIO OITICICA.
O LIVRO DAS CORES já existia simplesmente belo. Desinteressadamente belo. Não estava associado ao incêndio, mas inspirou de maneira decisiva o nascimento do LIVRO MONOCROMÁTICOS, que além de ter as cores que reproduz em papéis de seda articulados como serpentinas a série dessas mini-telas (os monocromáticos) feitas por Oiticica, em 1959, o LIVRO também lembra, ao ser manuseado, o sentido do jogo de carretel do fort-da (elaboração da criança sobre a presença e a ausência do outro), descrito por Freud em “Além do princípio do prazer” (1920).
Depois, ainda movida pela dor, Patrícia criou o LIVRO DO INCÊNDIO, a encadernação de noventa páginas negras que denotam os noventa por cento (número completamente equivocado divulgado pela imprensa logo após o incidente) do acervo da obra de Hélio que teria se queimado. Mais do que objetos, esses livros criam situações. Sensações de melancolia, saudade, romantismo, luto e terror que se intensificam pela sonoridade do papel sendo folheado na sua quase textura de tecido, no seu movimento que por vezes salta para fora da brochura, formando uma cachoeira que se esparrama pelo chão. E na cor. Todas as sensações são regidas sobretudo pela cor.
Ah! E o eco criado na trilha do Hino de Exaltação da Mangueira? Potencializa tudo e muito mais. Além de ser uma deliberada declaração de amor da artista à sua escola de samba, de arte e de alma.
OITICICA EXPERIENCE não é só uma homenagem ao artista que Patrícia Francisco considera “o melhor”. Assim como a arte de Hélio Oiticica fez o museu repensar o seu papel nos anos 60, EXPERIENCE, hoje, faz a gente repensar sobre o poder tutelar ilimitado das famílias sobre o acervo de artistas com o valor de patrimônio público-histórico-nacional.

Galeria Vermelho

Rua Minas Gerais, 350 - São Paulo.

De terça a sexta: 10 - 19h.

Sábado: 11 - 17h.

Tel: 3138-1520

Até 17 de julho.

Entrada gratuita

SOBRE A VIRADA CULTURAL - SP 2010

2010-05-23T08:46:00.012-03:00

Uma semana depois da Virada Cultural, as lembranças da maratona de shows e sensações ainda estão bem vivas no pensamento.
Por volta das 19h, antes de Hermeto Pascoal entrar no palco da avenida São João, na rua já meio apertada de gente, mas ainda num clima legal, uma baixinha tenta roubar a carteira de um altão atrás de mim.

Tentativa frustrada, ela leva um safanão, escuta um “vai roubar sua vó” e some em menos de 30 segundos.
Depois, quando atinei, não conseguia parar de rir. Tinha mesmo estranhado, pouco antes, quando vi a baixinha completamente desorientada, com cara de desesperada, se jogando entre as pessoas para passar e sendo seguida por mais duas amigas perdidas. Era tudo um teatro para surrupiar as carteiras de dentro das bolsas. Ali no meu miolo ela se ferrou feio! Adorei!
Começa o show com a extraordinária polifonia da banda de Hermeto exaltando a galera. A certa altura, um passa-passa infindável torna o clima meio chato. Muitos bêbados, malandrinhos e pseudo-confusões.

Com dó de sair dali, mas já de saco cheio, decidi caminhar até a pista de eletrônica do Arouche e lá o astral era outro, bem melhor! Só o povo que não, meio cafoninha, mas tudo bem...
Garotada feliz, a maioria gay, dançando ao som do dj Edinei, aparentemente bom, mas que depois de 5 minutos ficou péssimo, para o meu gosto. Contudo, eu continuei ali só para ver as turminhas pós-adolescentes se divertindo.

As caras, as roupas, os cabelos, as atitudes, as montadas, as travestis... Estava achando tudo ótimo! Pensei no fenômeno da absorção da música eletrônica pela cultura popular, de uns dez anos pra cá. (continua)

O LANCE FOI FICAR PELA LUZ

2010-05-23T07:43:00.010-03:00

No palco da Vieira de Carvalho, com um público mais tranqüilo e maduro, a banda “Desengonçalves”, de André Abujamra, fazia deliciosas releituras do repertório musical de Nelson Gonçalves, como “Naquela mesa” no ritmo de ska e “Negue” no balanço do reggae.
Bastante gente dançava gostoso. Parzinhos e tudo mais. O vocalista Guilhermoso repetia o lema de Nelson, “vamo vivê!”
Ando, ando, ando e chego ao palco da Júlio Prestes faltando uma hora para começar o show da Céu. Resolvi desencanar.

Fui em direção à Estação da Luz e uma surpresa boa: no palco da dança, a apresentação de “Gnawa”, da São Paulo Companhia de Dança, e no palco em frente, melhor ainda, a Orquestra Experimental de Repertório apresentaria a ópera “Porgy & Bess”, de Gershwin!!!
Caras ótimas circulavam por ali, gente mais a ver comigo. Mas já não dava mais. Antes de pegar o metrô de volta pra casa, parei numa rodinha para escutar um pianista cego que tocava e cantava um belo repertório de bossa nova, mpb e sambas antigos. Ele balançava a cabeça, errava as notas, desafinava e a gente cantava junto. Tão bom...
Esgotado, ainda desci no Anhangabaú para dar uma espiada no "Bailinho", que estava péssimo, escuro e perigoso. Dei uma andada até o baixo Augusta e finalmente fui pra casa embriagado de cansaço, música, arte, poesia e afeto. Dormi feito pedra e no dia seguinte, à tarde, voltei para a Luz. (continua)

DE NOVO LÁ

2010-05-23T07:34:00.012-03:00

É domingo. Cheguei atrasado para o “Tchaikovsky Pas de Deux”, da São Paulo Cia. de Dança e Osesp. Perdi o espetáculo.
Fiquei pensando nos Titãs, que iriam se apresentar na Av. São João e com certeza cantar “a gente não quer só comida, a gente quer comida diversão e arte...”.
Não, não. Decidi que Cantoria (Elomar, Xangai, Geraldo Azevedo e Vital Farias), na Praça Júlio Prestes, pertinho de onde eu já estava, seria bem melhor!
E foi. Os homens cantaram, cantaram e cantaram as diversas músicas conhecidas e regionais, “Ai que saudades de oce”, desenhando um clima romântico para o fim de tarde e começo de noite de domingo.
Bailarinas pairavam no alto da torre do relógio da praça, erguidas por um guindaste, ou sei lá o quê, intensificando a diversão.
Todo mundo riu quando depois de um tempo sem parar de cantar, Elomar perguntou num elegante sotaque nordestino: “Eu tô meio perdido, que hora é essa?”
Hora da festa acabar!
Antes, quero dizer que achei corajoso o dramaturgo Mário Bortolotto ter ido à Virada depois do que lhe aconteceu (levou quatro tiros no bar dos Parlapatões) há menos de seis meses.
Contudo, em suas impressões do evento para a Folha de SP, segunda - 17/05, disse: “não consigo me divertir onde muitas pessoas buscam desesperadamente fazer o mesmo...”.
Depois, “vendo as pessoas tomadas por uma alegria forçosamente intensa e por uma espontaneidade que me remete a festas lisérgicas, fui ficando irreversivelmente desanimado”, escreve Mário. (continua)

FOI ÓTIMO

2010-05-23T07:25:00.015-03:00

De fato, a gritaria e o desespero se manifestaram bastante na turminha dos alcoolizados e drogados que estavam espalhados por vários lugares. Mas nem tudo foi assim.
Essa história de “desespero da diversão”, assim como, segundo ele, a diversão deveria ser um direito nosso o ano todo, não colou.
É tanta gente, são tantos os gêneros de entretenimento (com gosto para tudo) são tantas as percepções, que não dá para definir simplesmente a Virada como um momento de uma “sociedade que precisa ‘desesperadamente’ se sentir aliviada e feliz por algumas horas”, ainda nas palavras de Bortolloto.
E se for isso, que mal tem? Como já me ocorreu em outros anos, o Mário deve ter circulado por lugares que não estavam legais. Ou, de repente, como ele mesmo escreveu, “talvez tenha a ver com a idade..”

Concordo que realmente não dá pra ficar super relaxado, ou fazer amizades (apesar de ter visto muita gente bacana, outras bem estranhas, até bizarras), e que a gente fica vulnerável a imprevistos desagradáveis na Virada Cultural. Estamos na rua!

No entanto, mesmo assim cantei, conversei, falei no celular, fotografei e curti à beça. Mas sempre bem esperto! Não quis saber de gente se encostando e nem de papo com qualquer um!
Eu não sei se no ano que vem toparei ir na Virada de novo. Sei que este ano foi ótimo pra mim. Me diverti (sóbrio), vi a Paulicéia toda feliz também tomada pelo divertimento e só lamento ter perdido as performances de suspensão corporal na Galeria Prestes Maia.
Quase oito horas da noite, Elomar estava perdido e eu cansado. Fui me embora antes da “Cantoria” se acabar. Caminhando sorridente pelo Centrão, pensava em como é bom ser brasileiro, como é o máximo a cidade de São Paulo e como a felicidade está mesmo dentro e não fora, em nenhum lugar!

COLETIVA "ALUGA-SE EM EXPOSIÇÃO"

2010-05-15T08:47:00.008-03:00

No portão, toco a campainha e a simpática e desconhecida Alcione (xará da diva cantora) logo vem me receber.
Uma situação diferente, quase estranha, num fim de tarde de domingo de Dia das Mães. Somente eu, a mulher e as obras de 37 artistas brasileiros contemporâneos numa velha casa em Alto de Pinheiros, SP, até pouco tempo vazia e agora ocupada por alguma gente e preenchida de arte em todos os seus cômodos e cantos.
Deixei minha mochila com Alcione, ela me deu um mapa e algumas explicações. Fui logo me enfiando na edícula, onde no dia seguinte escutaria atentamente Regina Silveira falar dos primórdios de sua carreira de artista plástica, do momento dos três anos de duração de sua escola de arte ASTER, que ela, junto com Júlio Plaza, Walter Zanini e Renato Ferrari, fundaram, em 1978, da situação da arte no Brasil dos anos 70 e 80 e de um encontro de arte contemporânea na Espanha, em 1972.
“Aluga-se em exposição” é o nome dessa galeria provisória montada pela artista Yara Dewachter, cuja casa ocupada é de propriedade de sua sogra e que se tornou não só um espaço expositivo de pinturas, gravuras, vídeos, desenhos, fotos, instalações, intervenções, mas um ponto de encontro e debates entre artistas e o público em geral.
Uma agenda de conversas acontece todas as terças-feiras (ocasionalmente as segundas – programação em http://alugase2010.wordpress.com/ ) até a semana de encerramento da exposição, dia 12 de junho... (continua)

UM NOVO OLHAR

2010-05-15T08:35:00.008-03:00

É curioso como nesse lugar a fruição de arte parece correr mais solta e prazerosa, nos dando a sensação romântica da arte dissociada de suas instituições e políticas (às vezes bem esquizofrênicas) de mercado.
Não que instituições e comércios sejam maus, mas há algo diferente operando em “Aluga-se...” que estabelece um contato mais próximo da nossa percepção com as obras.
Longe daquela idéia tosca de acreditar na “arte pela arte”, ou pior, achar que aqui estão expostos “artistas amadores”. Ao contrário, há uma lojinha vendendo obras e bugigangas, caras até, onde era a cozinha da casa, e os expositores não são artistas iniciantes, tendo todos já alguma, ou grande, projeção no mercado.
Talvez a presença do curador, mesmo ausente fisicamente, e a do museu ainda intimidem, de alguma forma, tanto o artista como o nosso olhar. Entrando numa galeria, outro dia, uma senhora veio me entregar um catálogo de preços antes de tudo!
Um belo texto de Leda Catunda, encontrado no site da exposição, situa “Aluga-se” como um fenômeno emergente (retomando hábitos antigos) e necessário para a arte da atualidade.
Citar ou descrever aqui as obras dos 37 artistas não convém. Seria cansativo, óbvio e redundante, como dizer que alguns são bem legais, outros menos. São obras, linguagens e poéticas variadas e o que vale mesmo é ir até lá conferir!

“Essa ocupação surge como fator agregador de uma pequena comunidade de artistas a serviço da metáfora de transformar o mundo com sua arte, através da transformação efetiva de uma pequena parte do mesmo, no caso, essa casa.” Leda Catunda. (continua)

ALUGA-SE em exposição
Av. São Gualter, 1941, Praça Panamericana – São Paulo
De terça a domingo: 12 – 20h.
Telefone: 95940763.
http://alugase2010.wordpress.com/

Até 12 de junho.
Entrada gratuita

MEMÓRIAS DE UMA ARTISTA

2010-05-15T07:30:00.011-03:00

Segunda-feira passada (10/5), Regina Silveira conversou com uma platéia de cerca de 25 pessoas na edícula da casa “ALUGA-SE em exposição”, em Alto de Pinheiros, São Paulo.
O que deu para captar do informal, delicioso e sintético papo de Regina (de um sutil sotaque gaúcho, com a letra L sempre bem pronunciada) é que a arte no Brasil dos anos 60, e até quase o fim dos 70, sobrevivia num território sem galerias, sem mercado e de um comércio baseado no escambo.
A figura do curador como organizador de exposições fora dos museus não existia e os artistas planejavam encontros para trocarem idéias e muitas vezes produzirem trabalhos em conjunto.
A comunicação era lenta, comparada com a de hoje quando um simples toque na internet é possível conhecer a obra de artistas de toda parte.
No fim dos anos 70 a arte conceitual já tinha uma força grande pelo mundo. Aqui, no auge da ditadura, o artista incorporaria o papel de organizador de uma parte do sistema da Arte / Educação e para isso, os encontros e debates eram essenciais entre eles.
Essa turma de artistas (à margem) queria modificar o ensino da arte, tirando do currículo o que não lhes agradava e sugerir novas propostas para o MEC.
Em 1978 Regina Silveira, Júlio Plaza, Walter Zanini e Donato Ferrari criam a escola ASTER, na Rua Cardoso de Almeida, São Paulo, que depois de três anos fecharia "por má administração", segundo Regina.

Cursos, encontros, palestras e exposições de artes ocorreram nessa escola que tinha um prelo que podia ser usado por alunos e artistas para imprimir trabalhos de pequenas tiragens.
Marcelo Nietzche, Dudi Maia Rosa, Leonilson e León Ferrari foram alguns nomes que aderiram e se engajaram fortemente às atividades da ASTER... (continua)

DE 82, EM SÃO PAULO, À 72, ESPANHA!

2010-05-15T07:19:00.007-03:00

Em 1982 uma grande exposição coletiva é realizada no Museu da Imagem e do Som de São Paulo, ARTE MICRO (MIS – 1982), através de fotos armazenadas em microfichas (que uma vez passadas no projetor, as imagens tomavam o corpo de seu tamanho natural), com trabalhos de Regina, Plaza, Ferrari, Carmela Gross e outros diversos artistas importantes emergentes da época.
Com o fim da exposição, as microfichas percorreram vários países do mundo, se inserindo no chamado movimento de ARTE POSTAL.
“A arte é macro, mas usa da estratégia da Alice [no país das maravilhas] para se expandir na comunicação artística”, diz Regina.
Nesse mesmíssimo momento, paralelo a essa significativa exposição de imagens miniaturizadas, o sistema da arte brasileira já se profissionalizava e se internacionalizava de maneira definitiva.
Numa segunda parte da conversa, Regina Silveira falou de um encontro de arte contemporânea que ocorreu em Pamplona, na Espanha, em 1972, em homenagem aos 60 anos do músico e escritor americano John Cage “Alea Encuentros 1972 – Pamplona” que segundo ela, foi um milagre essa ocupação acontecer com o país sob a ditadura de Franco.
Cerca de 400 artistas de vários países se organizaram (sem curadoria) e ocuparam a cidade por um mês, de três de junho a julho, patrocinados pela prefeitura de Pamplona e pelo governo de Navarra.
O Brasil foi representado pelo poeta Ronaldo Azevedo e Regina esteve lá não como artista participante, mas para acompanhar o seu marido, Júlio Plaza, um dos convidados e cuja obra foi uma folha de papel A4 datilografada “A arte é um ato libertário”... (continua)

CURIOSIDADES FINAIS

2010-05-15T06:35:00.011-03:00

Sem nenhum tom nostálgico, mas de simples relato, Regina contou algumas curiosidades de "Encuentros..." ilustrando-as com o seu pesado e desmantelado catálogo original (uma das poucas memórias vivas), como a de um artista que contratou marchadores atléticos que circulavam o dia todo pela cidade, numa espécie de onipresença que dava pulsação real e constante para o evento.
Outro detalhe relatado, sobre a força política da arte contemporânea desse encontro, foi a história dos cerca de cem bonecos infláveis em escala natural, de Manolo Valdez, espalhados em diferentes lugares da cidade, representando os fiéis soldados do ditador Francisco Franco, “El espectador de Espectadores".

E a ideia de Valdez funciona super bem: “de repente você ia ao cinema, se sentava, quando via estava ao lado do boneco e tomava um susto!”, contou a artista.
Antes de sua fala, de ouvido numa conversa entre ela e uma amiga artista e ex-aluna, achei graça, e fiquei meio tenso, ao escutar de Regina apontando para um papel cheio de contas: “as cúpulas pneumáticas foram todas calculadas com essas continhas feitas a mão, não tinha computador”.
“Cuma?” “Cúpulas pneumáticas?”, “continhas?”. “Meu Deus, do que essa mulher vai falar...?”
Que nada! De nada tão difícil assim! Ao contrário: surpreendentemente agradável, solta e informativa essa conversa de Regina Silveira na casa “Aluga-se em exposição”, que de forma elegante traçou uma linha entre as suas memórias e a iniciativa dessa galeria temporária de juntar alguns artistas para expor, e, de alguma maneira, com a Virada Cultural, que aconteceu nesse último final de semana em São Paulo.
As cúpulas pneumáticas, no fim, foram os jogos de tetos infláveis construídos para os pavilhões desse importante encontro da arte contemporânea, em Pamplona, na ocasião.
Agradeço ao artista João di Souza pela dica não só da ótima palestra de Regina como da bela exposição dos 37 artistas da casa. Valeu, João e obrigado Regina Silveira!

ALUGA-SE em exposição
Av. São Gualter, 1941, Praça Panamericana – São Paulo
De terça a domingo: 12 – 20h.
Telefone: 95940763.

http://alugase2010.wordpress.com/
Até 12 de junho.
Entrada gratuita

MODERNISMO BRASILEIRO...

2010-04-29T18:24:00.011-03:00

O Instituto de Arte Contemporânea está expondo a coleção particular de Luciana e Luis Antonio Almeida Braga, em Versões do Modernismo – Coleção Tuiuiu, em São Paulo.
Telas e esculturas modernistas e contemporâneas ocupam as duas salas da instituição, identificando momentos importantíssimos da história da arte brasileira.
Desprendidas de um calendário linear, as obras variam entre as pinceladas soltas de Ernesto de Fiori e Guignard (noutro instante sugestivamente cubista), aos cálculos concretos de Volpi, Ivan Serpa e Lygia Clark, à pegada pop de Raymundo Colares e a invenção estética de Hélio Oiticica.
Um belo quadro de Tarsila do Amaral (Cartão Postal – 1929) está próximo aos frenéticos traços de Flávio de Carvalho.
No percurso, dramáticas gravuras de Oswaldo Goeldi e esculturas de Franz Weismann, Waltercio Caldas, Paulo Monteiro, Amílcar de Castro e Aluísio Carvão.
Os tons sóbrios e elegantes de Joaquim Rego Monteiro conversam com um pequeno quadro de Milton da Costa, que parece ser o esquema de um edifício...

E ARTE CONTEMPORÂNEA NO IAC

2010-04-29T18:03:00.015-03:00

Dois “Bichos” de Lygia Clark, as famosas esculturas de placas de alumínio e aço inoxidável articuladas para se criar variadas formas, capturam o olhar logo na entrada da segunda sala. Aqui, é justo que as obras não possam ser mexidas.
Sergio Camargo leva a tridimensionalidade para o suporte da tela e um bólide de Oiticica, raro de ser visto em galerias e museus, é realçado no colorido de sua areia rosa pela luz branca da galeria.
Uma tela de Clark, numa fase bem alinhada aos preceitos do Grupo Frente, dialoga com um quadro e uma escultura de Aluísio Carvão (também concretista) e com os “Objetos Ativos”, das décadas de 50, 60 e 80, sutilmente tridimensionais, de Willys de Castro.
Nada aqui é mais ou menos. Tudo é de muito bom gosto. De fato, numa exposição como essa, o recorte curatorial fica quase que unicamente submetido ao conhecimento de arte, ao gosto e à generosidade do colecionador.
Além do prazer de estar diante de obras significativas, lindíssimas e pouco vistas, uma aula do pensamento estético puramente brasileiro.
Vale muito a pena...!!!

Instituto de Arte contemporânea

Versões do Modernismo - Coleção Tuiuiu

Rua Maria Antonia, 242 - São Paulo.

De terça a sábado: 10 -18 h.

Domingo: 12 - 17 h.

Até 4 de julho.

Entrada gratuita.

SER, TER...

2010-04-29T17:35:00.007-03:00

Maravilha quando um colecionador de arte empresta o seu acervo para o desfrute do grande público nos museus. Mas é engraçado como uma coleção particular também pode despertar interesses banais e curiosidades vis sobre as obras expostas e as relações delas com o seu dono.
Impossível não imaginar a casa do colecionador, assim como é difícil, às vezes, desgrudar o valor artístico das obras de seus cifrões. Todo mundo sabe que um Guignard, uma Tarsila do Amaral ou uma Lygia Clark custam fortunas.
Depois, alguns detalhes fúteis: como esses quadros são limpos? Qual será o lugar original daquela escultura? E se um amigo desengonçado, na casa do colecionador, esbarrar numa obra frágil e deixá-la cair no chão? Ou pior: (ainda na casa do colecionador) e se algum espírito de porco resolve se apossar de um quadrinho, ou de uma pequena escultura numa festa?
Há muito tempo, tomado por um humor sádico-adolescente, morria de rir com a história de um cinzeiro, uma suposta obra de arte, roubado da casa de uma tia durante um coquetel.
Ela ficou louca da vida quando deu falta do objeto, mais por seu valor monetário que artístico, ou sentimental. Inconcebível acusar a empregada que acumulava quase cinqüenta anos de serviços naquela casa

E QUERER

2010-04-29T17:22:00.007-03:00

Meses depois, quando já tinha se esquecido desse desagradável episódio, minha tia foi a uma festa no apartamento de uma “amiga” e deu de cara com o seu cinzeiro desaparecido!
Em vez de ficar quieta, pôr o cinzeiro na bolsa e ir-se embora, ela não se agüentou e falou:
- Escuta, esse cinzeiro é meu! E a outra:
- Não, não é! É meu! Eu ganhei!
E começou uma infindável discussão entre as duas peruas por causa de um cinzeiro dourado.
Minha tia pegou a sua relíquia de volta, mas depois ficou na dúvida se a outra mulher não poderia ter, de repente, um cinzeiro igualzinho ao dela.
Mil vezes eu sei que esse textinho é dispensável, mas não resisti...
Tenho a impressão que sentiria certo desconforto ao entrar numa casa atolada de quadros fabulosos e ver artistas que eu adoro, estudo e me dedico “engaiolados”, alimentando a fruição de arte (e o ego) de poucas criaturas.
O pior é saber que por mais que eu deseje, dificilmente, ou nunca, poderei ter também aqueles fabulosos quadros. Essa sensação deve ser igual a de uma paixão não correspondida. Ou simplesmente uma bruta de uma inveja do colecionador!

A ESCULTURA E AS TRANSFORMAÇÕES DO ESPAÇO (uma tentativa de interpretar o artigo de Rosalind Krauss, "A escultura no campo ampliado", escrito em 1979)

2010-04-22T04:17:00.011-03:00

Ela escreve difícil. Usa expressões como “trabalho telúrico”, “condição negativa da escultura”, “estruturas axiomáticas” e elabora um esquema lógico-matemático, citando os grupos Klein e Piaget para discorrer sobre a situação da escultura na atualidade. Sofrido, às vezes, aprender História da Arte pelo caminho inverso.
Contudo, em seu texto “A escultura no campo ampliado”, 1979, a historiadora e crítica de arte norte-americana Rosalind Krauss sabe o que está falando ao anunciar a urgência da escultura em hibridizar diferentes suportes para a criação de novas obras, em meados dos anos 60, reestruturando não somente a convenção de escultura perante a história, mas a nossa cognição diante da arte.
Passam a fazer parte no contexto das produções escultóricas, e das artes em geral, a arquitetura, a paisagem, o happening, o documento, a fotografia, o vídeo, a linguagem, e, como acontece hoje, as novas tecnologias das mídias digitais.
A escultura pós-moderna, segundo Krauss, não é mais somente um símbolo figurativo da representação de valores sociais ou políticos (monumentos históricos), e muito menos se encontra alheia ao contexto cultural vigente, como se fez no modernismo, “a escultura enquanto tal” (formas abstratas ou figurativas sobre um pedestal móvel).
Os diversos suportes que estendem o campo para um artista criar (pode ser qualquer coisa, qualquer lugar) resgata o elo da escultura, perdido no modernismo, com o lugar que ocupamos no espaço. A escultura pós-moderna não consegue se enxergar mais como um objeto distante de contemplação, mas como o fruto de uma simbiose complexa e participativa entre homem, comunicação, cidade, filosofia política, ciência, tecnologia, comportamento e principalmente desejo.
É justamente nessa ampliação de suportes que vão aparecer os desdobramentos da escultura contemporânea, o site specific (a obra pensada para um determinado local), a instalação, o happening, o site context (uma espécie de reurbanização feita a partir de um projeto de arte, normalmente por artistas em residência, baseado nos anseios, ou medos, dos habitantes de um determinado local), a vídeo-arte, a performance, entre outras formas de expressão.
Com essas novas linguagens, passamos a interagir com a arte de maneira menos formal, uma vez que esta não mais precisa somente dos museus e galerias para existir e avança progressivamente no espaço da arquitetura das cidades e da paisagem natural.

A ESCULTURA E AS TRANSFORMAÇÕES DO ESPAÇO II (uma tentativa de interpretar Rosalind Krauss)

2010-04-22T03:58:00.019-03:00

Os “Penetráveis” e os “Parangolés”, de Hélio Oiticica, dentre inúmeros exemplos, materializam a interatividade sensorial absoluta entre o homem e a obra de arte, especialmente no que diz respeito à cor.
Atualmente, uma instalação de Regina Silveira, “Derrapagens”, na fachada de uma loja de roupas (Uma) na Vila Madalena, SP, evidencia a interatividade entre arte, arquitetura e comportamento (moda).
Em “Derrapagens”, parece que o trânsito caótico da cidade, de fato, transborda e deixa a sua marca na calçada, na pele do prédio e dentro da loja, que por sua vez inspirou a sua última coleção na arte gráfica de Regina (mais uma intersecção).
A certa altura do artigo, Rosalind Krauss faz um incômodo, porém necessário, “dropping names” de artistas estrangeiros para ilustrar a idéia da escultura no campo ampliado, os sites specifics, digamos assim.
Graças à internet (youtube e google), é possível ter contato com a obra de alguns nomes citados pela historiadora e os mais marcantes foram: Christo, com a sua enorme cerca de aço e nylon correndo pela infinita paisagem desértica do norte da Califórnia, a “Running Fences”; Robert Smithson, com uma trilha de pedras em forma de caracol gigante sobre o mar (ou lago?), o “Spiral Jetty”; Michael Heizer, na construção de dois buracos no meio da paisagem natural, o “Double Negative” (apesar da minha precária compreensão sobre o que se trata exatamente essa land art) e Richard Serra, com as suas fabulosas esculturas elípticas de aço, encontradas em alguns museus e praças de Londres, Nova York e outras metrópoles (um dos poucos artistas que não compactua com a efemeridade dos sites specifics, pela durabilidade e peso do material que ele utiliza).

Há vários outros artistas importantes produzindo nessa época (60 /70) como: Robert Morris, Walter De Maria, Sol Le Witt, Bruce Nauman, Nancy Holt, Carl Andre, John Manson, George Trakis, ...
Com as mudanças do "fazer artístico", é necessário ressaltar o caráter efêmero que a arte contemporânea assumiu. Um site specific, uma instalação, um vídeo, um grafite, muitas vezes são provisórios num determinado espaço, que pode ser ocupado por trabalhos de outros artistas sucessivamente, numa “recolocação contínua de energia para um mesmo lugar”, como diz Krauss.
Esse movimento de impermanência da arte espelha, num primeiro momento, a nossa factual inconstância de ocupação no espaço. Fora as civilizações que já se extinguiram, outro exemplo aparentemente bobo que me vem à cabeça é o local da Cinemateca Brasileira, em São Paulo, ter sido um matadouro de gado.

Depois, ao "invadir" o espaço público, ou privado, e transformá-lo, seja sutilmente ou radicalmente, a arte, assim como a arquitetura, questiona, relativiza e propõe novos usufrutos do ambiente que ela está ocupando e normalmente vai nos confrontar com questões políticas, ecológicas, sociais, com o ritmo acelerado da informação, com o consumismo banal, com as relações furtivas e com as inúmeras ambivalências da vida atual. É daí que surgem os novos significados para uma realidade aparentemente estática.

No entanto, a arte nem sempre assume o papel de contestadora política, social ou ecológica. Ela nem sempre problematiza. Às vezes, cria soluções. O que a arte invariavelmente está incorporando na atualidade é o papel da comunicação social. Aqui, eu poderia adentrar no livro de Lucia Santaella, "Por que as comunicações e as artes estão convergindo?", mas não é o caso.

Voltando à Rosalind Krauss, o fato é que a multidiciplinariedade nas produções das artes contemporâneas, está gerando uma fruição de arte e de vida muito mais intensa, onde a percepção da cultura se torna mais dinâmica, mesmo que intuitivamente, e consequentemente mais problemática.

A escultura no campo ampliado

Originalmente publicado no número 8 de October, na primavera de 1979. O texto, cujo título original é "Sculpture in the Expanded Field", també apareceu em The AntiAesthetic: Essays on Post Modern Culture, Washington: Bay Press,1984.

Leitura feita a partir do texto traduzido e reeditado na publicação do número I da revista Gávea, do Curso de Especialização em História da Arte e Arquitetura no Brasil, PUC - Rio, em 1984, e dado em aula do Curso Livre de História da Arte - MIS, como parte bibliográfica obrigatória, pela professora, jornalista e crítica de arte Angélica de Moraes, abril / 2010.

(o texto pode ser encontrado no google)

MEU NOME É DESIGN...

2010-04-16T02:10:00.019-03:00

Assim como a arte renascentista nasceu na Itália, o berço do design é na Finlândia. Para os nórdicos, como para os japoneses, não existe a hierarquia discriminatória entre a “fine arts” (pintura e escultura) e as “artes aplicadas”.
Talvez por isso o Instituto que leva o nome da pintora japonesa naturalizada brasileira, Tomie Ohtake, esteja dando merecida notoriedade à arte da decoração, dos objetos e da moda, na exposição Estrelas do Design Finlandês.
Uma lareira de vidro e aço inox, de IIka Suppanen, um carrinho de chá, de Alvar Aalto, uma cadeira para criança, de Be Af Schulten, entre outros móveis, utensílios de vidro, algumas porcelanas, tapetes e tecidos calorosamente estampados, confirmam o bom gosto no traço minimalista desse povo que iniciou a sua verdadeira história de sucesso do design em meados de 1950.
Pelos desenhos de Oiva Toikka, Anu Penttinen e Giorgio Vigna, pássaros de vidro são fabricados em série, a 1450º Celsius, e manuseados por gente com décadas de experiência, numa indústria com mais de cem anos de tradição, a IIttala.

...JUST DESIGN.

2010-04-16T01:37:00.026-03:00

As estampas geométricas e multicoloridas dos tecidos fabricados pela Marimekko são de enlouquecer!
Aqui, estão expostos vestidos, conjuntos e casacos em cortes simples e caimentos impecáveis, criados por diversos estilistas, como Ritva Falla, Anikka Rimala, Maija Isola, entre outras. Fundada em 1951, a Marimekko se tornou famosíssima quando Jacqueline Kennedy resolveu usar algumas de suas estampas durante a campanha presidencial de seu marido Jhon.
A vitrine com objetos da Nokia é pouco atraente para um olhar romântico que vai logo à procura das contorções excêntricas e coloridas dos vidros e cadeiras.
Impossível não citar a conhecida cadeira em fibra de vidro, de Eero Aarnio, a cadeira de IImari Tapiovaara, “Pirkka”, e a cadeira “botão de rosa”, de IIka Suppanen.
A porcelana é feita com maestria por Toini Muona e nos artefatos de vidro destacam-se Gunnel Nyman, num conjunto de jarro, copo e tigela de vidro de bolinhas soprado em molde, e Timo Sarpaneva, com cristais soprados e jateado de areia.

Curioso é como o traço do design finlandês quase sempre surpreende. É simples e ao mesmo tempo, na maioria dos casos, provido de sofisticados cálculos ergonômicos.

O que poderia ser estranho aos olhos e ao corpo, flui de modo absolutamente familiar. O que poderiam ser objetos triviais tornam-se, muitas vezes, obras de arte. E é justamente desses fluxos ambíguos que nasce a beleza do design desse país.

Estrelas do Design Finlandês

Instituto Tomie Ohtake

Rua Coropés, 88 – São Paulo

Das 11h às 20h

Até 9 de maio

Entrada gratuita.

O BABADO É FORTE

2010-04-08T18:42:00.010-03:00

O homem reza até na hora em que está desocupado no balcão de seu açougue. “O descanso atrai o ócio e o ócio atrai a loucura”, assim diz. Loucura, para ele, seria sucumbir às suas inclinações homossexuais.
Nem mesmo a palavra homossexual pode existir nesse bairro ultra-ortodoxo de Jerusalém em “Pecado da Carne”, filme em circuito na capital (SP). Assim como as mulheres e as crianças também inexistem. O que existe é Deus, o trabalho e o Torá, o livro sagrado.
Quando nesse mesmo bairro aparece um homem gay desculpado, corajoso, lindo e sedutor, onde tudo e todos são vigiados de forma que meia palavra basta para se comunicar, o rebuliço começa.
Engraçado é que a certa altura, no estudo do Torá, os israelitas empertigados constatam que “o homem que evita tomar vinho é um pecador, pois Deus não o criou para sofrer com as privações”. É mais ou menos isso.
Pela lógica, abster-se dos prazeres da carne, do sexo, seja ele com quem for, também deveria ser pecado. Mas não, de jeito nenhum. Ao contrário, o prazer da lascívia homossexual “é uma maldição para os justos”.
Dessa maneira, uma paixão entre dois homens nesse quadrilátero de Israel é absolutamente insustentável. A desaprovação da vizinhança é unânime e em todo momento há contas morais para acertar.
Como estaria escrito um cartaz “Há um pecador em nosso bairro”, no meu ou no seu quarteirão? O que é pecado? Quantos são os pecadores?
Triste realidade essa intolerância ao homossexualismo desses judeus ortodoxos que, para piorar, são inteligentíssimos. O mundo não reconhece oficialmente Jerusalém como a capital de Israel assim como é dificílimo para o homem civilizado reconhecer qualquer atitude homofóbica.
Eles que fiquem por lá com o “Orai e Vigiai”, a minha tradução adaptada para “Eyes Wide Open”, enquanto aqui a gente continua fazendo muito samba, sexo e, por mais que eu deteste, dos males, o menor!, futebol.
Dourado, vencedor do BBB10, achei um lugar onde você pode investir o seu milhão e meio de reais! Vai pra lá, vai!

Pecado da Carne

Espaço Unibanco Augusta 3, sex. a seg. e qua: desde 14h. Terça: 14h, 16h, 18h, 20h.

Quinta: 14h, 16h, 18h. Rua Augusta, 1470.

Frei Caneca Unibanco Arteplex 6, 14h20, 16h10, 18h20, 20h10 e 22h.

Rua Frei Caneca, 569, 3º piso.

Reserva Cultural 1, 13h30, 17h20 e 21h20.

Avenida Paulista, 900.

O INFERNO SOU EU

2010-04-02T17:35:00.013-03:00

"No Brasil, conheci também o sabor do maracujá, a fruta da paixão..." (Beauvoir)

Aqui, Simone de Beauvoir não é aquela fortaleza de ideais feministas que decifra o desejo coletivo das mulheres reprimidas de todo o mundo ocidental dos anos 50.
O INFERNO SOU EU desconstrói a persona forte, moderna e poderosa da filósofa francesa existencialista para adentrar o self de uma mulher insegura, romântica e insatisfeita.
Sob o estigma de um gênio cerebral e mal-humorado, Marisa Orth reinventa Simone de Beauvoir em seus dias no Recife, em 1960, fragilizada pelo mal-estar convalescente de tifo, que pegara na Amazônia, antes de partir de volta à Paris.
Aliada à debilidade física, ainda nesses últimos dias de Brasil, Simone sofre por uma paixão mal correspondida, que estava nos Estados Unidos e não respondia às suas cartas e telefonemas, e pela ameaça de ser abandonada por Sartre, que se encantara pela dona da casa onde se hospedaram na capital pernambucana.
Aos poucos, a tristeza da filósofa, mascarada por uma elegante angústia verborrágica, vai se apropriando de sua verdadeira razão através de seu contato com a estudante Dorinha, uma espécie de secretária-empregada, personagem que na vida real nunca existiu.
Dorinha e Simone se tornam espelhos mútuos que prestam serviços às suas consciências. Uma desmistifica o seu ídolo na escritora e a outra percebe no pragmatismo emocional da menina que, às vezes, as coisas na vida podem ser mais simples do que ela imagina.
É por esse diálogo que Simone vai entrando num interessante fluxo de questionamentos sobre as escolhas que fez durante a vida toda e que agora, de alguma maneira, lhe parecem incoerentes ao que verdadeiramente sentia, ou queria.
De fato, nos anos 60, no auge do pensamento feminista, as escolhas da mulher não eram conciliatórias. Ou ela ficava sob o “julgo” de um homem, casando-se e tendo filhos, ou ela cuidaria de sua carreira, sendo “livre”, moderna, intelectualizada, bem-sucedida, com vários relacionamentos, ou relacionamentos abertos, porém destituída em absoluto do casamento e em último instante, até do amor.
Na peça, o texto criado por Juliana Rosenthal K., divinamente interpretado por Marisa Orth e Paula Weinfeld, vai além da crise existencial feminina. Toca homens e mulheres, eu diria que na idade madura, cujos alguns caminhos percorridos já não tem mais como voltar.

“Entre a fidelidade e a liberdade haverá uma conciliação possível? A que preço?” (Simone de Beauvoir).
“Vocês falam muito com a cabeça, e pouco com o coração” (Dorinha).

O INFERNO SOU EU
Direção: José Rubens Siqueira
Teatro Novotel Jaraguá
Rua Martins Fontes, 71, Centro – São Paulo.
Tel: (11) 3255-4380.
Sexta: 21.30h (R$ 50).
Sábado: 21h (R$ 60).
Domingo: 19h (R$ 50).
Até 25 de abril.

ENTRE SE NÃO FOR GEÔMETRA

2010-03-23T04:02:00.011-03:00

Orange Gardens é a mais nova instalação da fotógrafa e artista Cris Bierrenbach no Centro Brasileiro Britânico, SP.
Um labirinto de voal suspenso no ar, estampado a partir da fotografia de tijolos baianos, formam muros que fazem alusão ao conjunto de casas geminadas dos subúrbios londrinos, com tijolos aparentes, construídas para abrigar os operários das fábricas da Segunda Revolução Industrial, ao mesmo tempo em que remonta um tradicional jardim inglês do século XVIII, o Hapton Maze.
Conforme se anda pelo labirinto, diferentes janelas vão se abrindo numa visão tridimensional, graças à transparência do tecido, e a sensação que poderia ser opressora dos estreitos corredores é amenizada pela leveza do voal.
Como num jogo de espelhos, neste trabalho Bierrenbach confundi o olhar e a direção do espectador. Passear pelo “jardim” torna-se uma brincadeira quase infantil.
É como ter um olho biônico que enxerga outras dimensões através das paredes, porém numa imagem mal definida. Isso desperta uma espécie de poder e excitação.
De outra forma, adentrar alguns becos sem saídas e achar o caminho de volta dessa teia perspéctica gera uma certa angústa, mas no final, essa interação entre o público e a obra acaba sendo hilária.
Na verdade, os caminhos retangulosos de Orange Gardens estão subjacentes a um intenso diálogo entre a arquitetura ornamental, e inútil, de uma obsoleta aristocracia inglesa e a estética mal acabada, porém essencial, de uma classe operária emergente.

Orange Gardens – Cris Bierrenbach
Centro Brasileiro Britânico
Rua Ferreira de Araújo, 741, Pinheiros – São Paulo.
De segunda a sexta: 10 – 19 h.
Sábado e Domingo: 10 – 16 h.
Até 11 de abril.
Entrada gratuita.

ÚLTIMAS SEMANAS DE PORNÔFALCATRUA

2010-03-16T03:56:00.033-03:00

“Se todo mundo metesse quando está com dor de cabeça, não haveria tanta filha da putagem nessa merda desse mundo”. Essa é uma dentre as várias pérolas ditas pelos atores de PornôFalcatrua Nº 18.633, adaptação de Eduardo Ruiz para o teatro do romance Pornô, do escocês Irvine Welsh, autor de Trainspotting.
Pornô, na verdade, é a continuação de Trainspotting, quando os amigos se reencontram dez anos depois, destilando ódios e fracassos, revoltados com a vida e envolvidos em roubos, mortes, traições e pornografia.
A onda da heroína passou e a realidade grita na cara dos ex-adolescentes rebeldes que agora são adultos. “Depois dos trinta, as coisas mudam de figura, começa a consciência da morte”, explica um dos rapazes o motivo de ter largado as drogas.
Perdidos numa cidade grande, esses 'amigos' precisam sobreviver de alguma forma e, para isso, acham uma solução: fazer um filme pornô que possa “entrar nos anais dos filmes do gênero”.
Num texto habilidoso e engraçado, cheio de artimanhas, trocadilhos e muitos “caralhos", "bucetas", "cus" e "porras”, PornôFalcatrua... vem na contramão do politicamente correto, essa doencinha instituída pelo poder dos democratas e pmdebistas de São Paulo.
Ambientado no famoso club Vegas, boate outrora hypada do baixo Augusta, o espetáculo é ágil, quase ofegante, na movimentação das personagens, nos efeitos sonoros e na iluminação.

O drama, com jeitão de psicodrama, começa ao som punk-rock, hilário e ambíguo, de Sem Você Ana C., da banda Misericórdia Bernadete!, que grunhe, "...quero fuder com vc/ quero fuder com vc...".

A partir daí, os atores vestidos e maquiados em releituras que vão dos anos 70 ao new wave (lenços na cabeça, maxi-óculos, leggings, polainas, lamês, shortinhos, botinhas, boleros e regatas) gritam, xingam, gemem e fumam proferindo axiomas e baixarias. Lá pelas tantas, simulam cenas de sexo explícito, no auge da comicidade, paramentados de cintas, paus de borracha e outros artifícios cômico-eróticos.
A mais interessante e carismática da turma , sem dúvida, é Nikki, a estrela do filme pornô que solta umas do tipo, “como é bom ser decentemente fodida”, ou “se você não consegue me comer, vê se me deixa em paz e me deixa dormir, seu pau-mole”.
O melhor desse teatro talvez seja, de fato, o texto desbocado desses caras que praticam a “longa tentativa de suicídio a prestações”.

Ora meio óbvio, em frases que pensamos mas não temos a coragem de dizer, como “ter poder é poder arrastar as melhores bucetas pra casa”, ora meio filosófico, “a existência é o ciclo vicioso do sexo”, o palavreado da peça vai deflagrando compulsivamente uma face sórdida e inevitável da nossa condição humana: animais egocentrados, imperfeitos, angustiados, impotentes, violentos e sedentos por prazer.
Para o diretor, Gustavo Machado, os atos e as palavras dessas “pessoas-paradoxo (e quem não é?)” são um “prato cheio pra gente que é de teatro e é viciado no ser humano, no que ele tem de mais contraditório”.
Engraçado é pensar que muitos cidadãos, ainda em 2010, se chocariam vendo Pornô.... Como “a vida é muito curta pra gente passar vontade” (Welsh), é irresistível não citar mais uma vez (espero não ser chamado de plagiário) a frase de Oiticica, escrita pelo diretor, apropriadamente, no programa da peça, “Seja marginal, seja herói”.

PORNÔ FALCATRUA Nº 18.633

Direção: Gustavo Machado.
Com: Ana Liz, Ana Nero, Fábio Ock e outros.

Duração: 100 minutos.

Classificação: 18 anos.

Texto: Irvine Welsh.
Terças e Quartas-feiras, noVegas Club, às 21h.
Rua Augusta, 765, Centro – São Paulo.
Telefone: 3231-3705.
Ingresso: R$ 40 (R$ 20 para estudantes ou nome na lista),

podendo ficar em seguida para a balada.
Aceita os cartões Amex, Diners, Mastercard e Visa.
Até 31 de março.

(ilustração Estúdio Coletivo de Design).

VIDEOARTE NO MIS

2010-03-09T03:43:00.005-03:00

As instalações de Gary Hill no Museu da Imagem e do Som são escandalosas e aliciantes. A princípio, um ambiente esquizofrênico, inquieto e ansioso se descortina numa semi-escuridão acionada por flashes, vozes e estrondos.
Pergunto ao segurança local se ele não se sente zonzo de ficar ali. Ele diz, “bastante”. Por isso, a vigilância é revezada de uma em uma hora. Que bom, minhas percepções não estão totalmente equivocadas e penso que até mesmo um defunto se levantaria com esse turbilhão de estímulos sensoriais.
E o norte-americano, um dos precursores da videoarte, sabe o que faz. As cinco vídeo-instalações de Hill, num segundo instante, agradam e fazem pensar.
Uma comissão de frente imóvel e apática de homens robustos enfileirados em tamanho real te encara, Os Observadores. A primeira vontade é de dar uma de louco e falar com as figuras virtuais. O vídeo pseudo-3D sugere que a arte nos contemple, no caminho inverso do usual. A sensação é de estranhamento, depois hilária. Aliás, como quase tudo nesse lugar...

IMAGENS SÃO SÓ PALAVRAS

2010-03-09T03:36:00.010-03:00

Mais próximo dos homens corpulentos, uma gritaria ecoa da sala ao lado. Uma briga, um hard sex? Não, Wall Piece. Viagem difícil de assimilar, mas depois de algum tempo e paciência, as coisas vão se explicando.
Enxerguei Wall Piece como um discurso existencial. Um sujeito se desconecta do mundo e volta noutra velocidade cognitiva, onde “uma palavra é um milésimo de uma imagem”.
Em seguida, esse sujeito conclui que no mundo não há imagens. Há apenas palavras e são elas que definem e separam as coisas e criam as imagens. Dessa aterrorizante constatação, surge o impulso de se jogar na parede de uma sala escura e a cada impacto, um flash e uma palavra.
Aos poucos, as palavras vão edificando paisagens na imaginação. O texto do homem que se debate para se reconhecer e às imagens mundanas através das letras, está fixado na parede da ante-sala da instalação. Com o ouvido bom para o inglês, e bastante atenção, é possível sincronizar o texto escrito com o dito pela projeção.
Em ordem aleatória e num ritmo bem variado, “Estou indo/ Então me vejo ir/ Estou voltando/ Vou me ver voltando / Sou supersônico e alienígena/ Não tenho lugar/ Não tenho pés/ Perdi a vaga noção de membros”... E ta-ra-ra-ra-ras variados vão harmonizando essa loucura.
Tem mais...

EMPURRÕES, MÃOS FALANTES E RENDIÇÃO...

2010-03-09T03:17:00.010-03:00

...Continuam os impactos sensoriais. Ondas sonoras vibram de um vídeo onde o próprio Hill pressiona a sua testa e outras partes de seu corpo contra uma superfície, um vidro talvez. A sensação do artista parece ser ambígua, de prazer e dor.
Noutra instalação, Language Willing, no formato de TV LCD, duas mãos recitam um texto de Chris Man (poeta-compositor australiano) numa rotação acelerada. Lado a lado, cada mão gira um disco coberto com papel de parede floral em diferentes direções.
A estridência das vozes, os gritinhos exclamativos unidos à incompreensão do texto, mais as florzinhas dos discos de “Willing”, me levaram a ver duas vizinhas fofoqueiras de cem anos atrás.
Por último, a Rendição Incondicional, instalação com imagens de computação 3D e projetores e luzes estroboscópicas, que foi criada especificamente para o local da exposição (site specific), a sala redonda.
Pontos de luz surgem no horizonte distante e tomam a forma de uma roda que vem rolando em direção ao espectador até consumi-lo, momento em que uma luz branca, tipo um flash gigante, invade o ambiente e, por isso, a inevitável rendição.
Gary Hill vai além de sacudir a nossa imaginação. Nessa profusão pensada de imagens, vozes, luzes e vibrações, o artista também chacoalha o nosso corpo quase que com as suas próprias mãos. Aqui, às vezes, o mais importante é o que se sente e não o que se vê.

Circumstances / Circunstâncias – Gary Hill
MIS
Av. Europa, 158 - Jardim Europa - São Paulo.
De terça a sábado: 12 – 19hs.
Domingos e feriados: 11 – 18hs.
Ingresso – R$ 4.
Entrada gratuita aos domingos.
Até 21 de março.
No dia 13 de março, sábado, palestra com Gary Hill no auditório do MIS, às 20h. No dia 21, domingo, uma mostra com 8 vídeos do início da carreira do artista, às 16h.

A MORATÓRIA

2010-02-27T07:37:00.011-03:00

Desviando o olhar das artes plásticas para o teatro, uma peça encantadora em São Paulo, A Moratória, só terá mais duas apresentações (hoje e amanhã) no Viga Espaço Cênico, antes de encerrar a temporada Panorama do Teatro Brasileiro 2ª Geração, do Grupo Tapa.
O texto é de 1954, do então estreante dramaturgo Jorge Andrade, e conta a história de uma família que perde a sua fazenda na crise do café, em 1929, ilustrando a decadência da oligarquia paulista nessa ocasião.
O êxodo rural, o surto da industrialização que gera mudanças nas estruturas e nos valores do status social, a inserção da mulher no mercado de trabalho, o fim da República Velha, entre outras coisas, são os temas que Andrade aborda nas entrelinhas desse drama familiar.
O contexto que visualiza a família de Joaquim antes e depois da pobreza (na fazenda e na cidade), retrata nitidamente a fleuma e os preconceitos da aristocracia agrária brasileira, que vão se desconstruindo pelo decorrer da ação.
Como exemplos, o horror e a humilhação que Marcelo, o filho do fazendeiro que agora mora na cidade, sente por ter que trabalhar. Ou a postura da filha, Lucília, que apesar de tomar a frente da crise e passar a costurar para fora, se tornando o arrimo de família, sempre delicada e sensata, no fundo é orgulhosa e se sente uma reles costureirinha injustiçada.
Fora do circuito badalado, num espaço tipo galpão, o esmero pela boa qualidade da representação de A Moratória permeia por todos os aspectos e detalhes da peça.
Um cenário quente, com armários, mesas e cômodas coloniais de madeira nos levam às moradias de nossos avós. Os espelhos da penteadeira e do bufê, em diversos momentos redimensionam a fotografia das cenas.
A iluminação sombreia uma pintura realista das casas de antigamente, numa atmosfera meio ascética cristã. As interpretações precisas, sem nenhuma voz fora do tom, nenhuma intenção exagerada, como podem ocorrer facilmente nos dramas, integram os atores num movimento natural. São visíveis os “passes de bola” no palco.
Mais além, os figurinos são de babar. Chiques, construídos em plácidas geometrias que muitas vezes desenham verdadeiros mantos, oscilam nos tons neutros, que vão do bege ao cinza-escuro. O linho de todas as roupas, dos vestidos aos ternos, proporciona aos personagens uma fluidez campestre ao mesmo tempo em que compõe os ares vigorosos e empertigados da aristocracia antiga.
Todos feitos de toalhas de mesa, alguns vestidos com bordados vazados parecem fornecer a ventilação necessária para o calor das terras interioranas de São Paulo. Nas duas laterais da barra de um vestido que Lucília usa na maior parte do tempo, os bordados fazem um encontro que por acaso simulam o traçado de um edifício metropolitano. Um trabalho primoroso.
Não por acaso, dentre outros sinais, um chapéu panamá usado pelo patriarca Joaquim conota a situação em que a família se encontra. Quando ele está de chapéu, a ação se passa nos tempos áureos da fazenda. Sem o acessório ele é o homem desonrado e falido da cidade.
A marca mais profunda da peça é a questão da impermanência da vida, das perdas que algum dia todo mundo sofre ou vai sofrer. “As coisas mudam, Quim”, diz a sua esposa Helena, a certa altura do campeonato.
E nessa história de faltas e esperanças, a representação é tão envolvente, feita por um elenco tão talentoso, que a gente quase nem percebe os noventa minutos corridos, sem intervalo, da peça. Mais uma vez eu me curvo ao ofício do ator. Oh povo danado!

A Moratória - grupo Tapa.

Viga Espaço Cênico

Rua Capote Valente, 1323, Pinheiros - São Paulo.

Sábado (27/02) às 21h.

Domingo (28 /02) às 20h (último dia).

Ingresso: R$ 30.

Ilustração de Paulo Brabo

O LADO QUENTE DO SER

2010-02-19T02:06:00.009-02:00

Entre 1984 e 1992 Vânia Toledo fotografou em seu estúdio quarenta e cinco atrizes brasileiras em papéis que elas gostariam de interpretar e que, de alguma forma, também tivessem a ver com os seus alter egos.

Sob um clima meio noir evocando as sensações visuais de um espetáculo, as Personagens Femininas de Vânia, expostas na Galeria de Babel, posam em seus retratos de maneira que parecem estar em plena ação dramática.

A primeira personagem a me capturar, indiscutivelmente poderosa, foi Marília Pêra no papel de Dalva de Oliveira. Ao seu lado está Regina Casé, apática, na pele de uma retirante nordestina.

Com a percepção amparada no desejo do divertimento – nada sei dos conceitos técnicos que definem um portrait, os meus olhos queriam logo saber quem era a atriz fantasiada de morte, a outra de anjo, a de bailarina, a de executiva, a de louca, e por aí vai...
Algumas reconhecíveis de imediato, como a menina Giúlia Gam de Julieta, na ocasião ela vivia esse papel no teatro (1984), e outras irreconhecíveis, Rita Lee de Isadora Duncan sem querer ficou parecida com Cleide Yáconis.

Uma engraçada é a Marisa Orth, claro, coroada de Miss Mundo, num sorriso amarelo e aquele aceno típico, o tchau de miss (ela acabava de vivenciar a Nicinha em "Rainha da Sucata"). Outra é a Marieta Severo na caricatura de “mulher-maravilha”: a esposa, a prostituta, a dona-de-casa abnegada, a executiva e todas ao mesmo tempo travestidas numa só mulher.

Atrizes in memorian, como Cacilda Becker, Dina Sfat e Henriqueta Brieba também fazem parte da galeria e uma personagem que ficou aquém das expectativas de um fã foi a Bruna Lombardi, de cabelos molhados, saindo do banho enrolada numa toalha, bem menos bela do que ela é.

Enquanto Fernanda Torres realiza o seu sonho infantil de ser bailarina, sua mãe, Fernanda Montenegro é uma neurótica insone, sentada numa cadeira de seu quarto, que ela mesma levou para o estúdio de Vânia.

Vera Fisher, vestida por Conrado Segretto, é a noiva que nunca foi. E Beth Goulart, que na TV aparece sempre tão óbvia, incorpora na foto um anjo meio safado, com os peitos de fora e ares de malandragem.

Não posso deixar de citar a diva Cláudia Raia em seu momento de Rita Hayworth, ou melhor, de Gilda. E a surpreendente Xuxa Lopes encarna uma enfermeira maldita, no estilo Elle Driver (Daryl Hannah) de “Kill Bill”.
O elenco é grande e não convém discorrê-lo inteiro por aqui. O que vale mesmo é a experiência de ir à Galeria, observar a seiva da dramaturgia brasileira reunida numa única sala e constatar que as nossas atrizes são as mais belas e as mais talentosas. Uma grande comoção!

Personagens Femininas - Vânia Toledo
Galeria de Babel
Rua Virgílio de Carvalho Pinto, 422 / 426 - Pinheiros - São Paulo.
(dentro do Dentro Cultural b_arco).
De segunda a sábado: 10 - 17hs.
Até 27 de fevereiro.
Entrada gratuita.

A galeria também expõe trabalhos do fotógrafo Bruno Barbey (The Italians), da famosa agência Magnum Photos, e algumas fotos de Andréa Micheli.

O MASP

2010-02-04T17:58:00.001-02:00

O MASP era só festa nessa última terça-feira, (2/2). Os grafiteiros, no subsolo, estavam bombando e Chagall, no primeiro andar, não ficava atrás.
Cheio de estudantes, famílias e turistas, alguns gringos, todo mundo ali parecia estar dando os últimos suspiros do “dolce fare niente” das férias.
Lá embaixo, no hall onde ficam a livraria e o café, uma fila se formava para se cadastrar num terminal eletrônico e ganhar um pôster do acervo do museu. Daqueles batidos, sabe? A ponte japonesa, de Monet, O Escolar, de Van Gogh ou O Atleta, de Picasso. Não obstante, a felicidade era geral.
Os grafites, sob a marca da despretensão, como sempre acolhedores (já falei sobre eles aqui). Uma arte amiga, digamos. Vejo uma garota absorvida, babando por uma lona com borrões fluoríticos de Zezão.
Cinco e pouco e o mundo começa a desabar. Dos janelões envidraçados se via a chuva descontrolada, feroz.
Raios, trovões, chuva, cores e gente aqueciam a intuição e a consciência. Um fenômeno que nenhum conceito de arte é capaz de explicar. Mas o melhor ainda estava por vir.

AS CORES

2010-02-04T17:31:00.000-02:00

O mundo mágico de Marc Chagall. É o nome da exposição do artista no Masp, que nessa terça, mais do que nunca, estendia a sua significação.
O ambiente está menos turbinado que no subsolo. O clima é mais erudito. Contudo, não é preciso ter lido Dafne e Cloé, a Bíblia ou as fábulas de La Fontaine, títulos literários cujas histórias são contadas por Chagall em desenhos, para sentir o astral das gravuras expostas.
As cores brotam marcantes, quase efusivas em Dafne e Cloé, a série de guaches que animam o conto do Homem que está descobrindo o mundo e o amor, na Grécia do século 2 -3 dc.
Uma paisagem de primavera pode ser vermelha ou azul royal e os seres aparecem fluídicos, sensuais, em atmosferas paradisíacas, eu diria que até psicodélicas, apesar desse adjetivo não existir na época dessa produção, 1953 – 54.
Esses desenhos, porém, também confinam uma angústia. Um sofrimento que pulsa justamente no colorido vivo e aliciante de Chagall, que dessa maneira enuncia o seu estigma de fariseu marginalizado.
Nas ilustrações das passagens bíblicas, da Criação do Homem a Sansão e Dalila, as cores começam a adormecer sutilmente. E nas histórias de La Fontaine, elas desaparecem por completo, dando vazão a um apurado trabalho de traço, sombras e pontilhados.
Seis em ponto e os seguranças do museu convida o público a sair. Lá fora, a chuva continua frenética.

E O MELHOR!

2010-02-04T17:23:00.000-02:00

Sob a marquise do Masp a polifonia da juventude ecoa entre as esculturas lúbricas de Abelardo da Hora. Ninguém quer se molhar. Na Avenida Paulista o trânsito parado. Pouca gente na calçada.
De novo, muitos estudantes. Rostos bonitos. Eles conversam, gesticulam, dão gargalhadas e tiram fotos da baladinha no vão.
Aparecem os skatistas, os pseudo-hippies, os rastafaris, os motoqueiros e os pedintes. Um eufórico aglomerado.
O multicolorido do streetwear vai do cafona ao bom gosto. Gordinha de top? Olha pra mim, skatista!
Paro ao lado de um senhorzinho mendigo e observo a sua viagem alcoólica. Dou uma volta e me aproximo de um grupinho cantando e dançando entoados por um violão de “hare krishna hare krisna krishna krishna hare hare”.
Pronto!
Bateu uma volúpia, uma alegria catártica que reafirmava o meu amor pela cidade. Por pouco, mas bem pouco, eu não me juntei ao grupo, abri o meu guarda-chuva e comecei a dançar.

O mundo mágico de Marc Chagall.

Masp – Av. Paulista, 1578 – São Paulo.

Ter., qua., e sex. a dom. – 11h às 18h. Qui. – 11h às 20h.

Ingresso – R$ 15.

Terça-feira a entrada é gratuita.

OS METAESQUEMAS DE HÉLIO OITICICA

2010-01-24T19:05:00.000-02:00

É atraente pensar num garoto carioca, de vinte e poucos anos, no fim da década de 50, querendo escarafunchar as relações entre cor, linha, estrutura e plano nas artes plásticas.
Os relatos da investigação dessas relações começam a ser grafados em retângulos pintados de guache sobre um cartão. Adiante, começam a surgir outros cartões com outros retângulos, e outras figuras geométricas, em diferentes tamanhos, contornos, cores, preenchimentos e disposições no plano do papel.
Hélio Oiticica, o garoto em questão, nomeava esse experimento realizado entre 1957 e 1958 de metaesquemas, obras expostas no Instituto de Arte Contemporânea, até 28 de fevereiro, em São Paulo.
Provindas de um cálculo matemático rigoroso, essas produções esquemáticas se conectam incondicionalmente aos preceitos do construtivismo, linguagem que posteriormente Oiticica passaria a desprezar.
Contudo, são nesses metaesquemas que o artista descobrirá as estruturas que vão levá-lo a desenvolver suas obras de terceira dimensão, como os bilaterais e os relevos espaciais (1959), também expostos na mesma galeria do Instituto.

RELEVOS ESPACIAS

2010-01-24T18:53:00.000-02:00

Os relevos espacias (1959) dão a impressão que são dobraduras gigantes. Na realidade, são esculturas chapadas de madeira, pseudo-retangulares, pintadas em acrílica (duas em vermelho, uma em amarelo e outra em branco) e com uma sutil tridimensionalidade. Por estarem pendurados no teto, os relevos clamam pela atenção do espectador. E somente circulando por debaixo dessas obras é que se percebe melhor a ideia e o trabalho de Hélio Oiticica.
Pegar um pedaço de papelão, mergulhá-lo na água e depois deixá-lo secando ao sol, pode dar uma sensação caseira do que são os relevos espaciais. Depois de seco, o papelão vai se abrir em fendas e mostrar os planos internos de sua estrutura em diferentes angulações. Isso seria, digamos, a forma orgânica do papelão.
No entanto, diferentemente do papelão, a sobreposição dos planos nos relevos espaciais de Oiticica não surge aleatória, e sim, calculada para criar uma simetria geométrica nessas esculturas. Para esse fim, parece que Oiticica se utiliza não somente de frases matemáticas, mas de sua intuição.
No final, os esquemas dos esquemas e os instigantes pedaços de madeiras recortados, coloridos e suspensos no ar, podem ser sentidos como um prelúdio para o engajamento de Oiticica na criação de suas obras sensoriais, como os parangolés, os penetráveis e as bólides, produções essas que o artista definiu como a anti-arte por excelência.

Da Estrutura ao Tempo – Hélio Oiticica
Instituto de Arte Contemporânea
Rua Maria Antonia, 242 – São Paulo.
Até 28 de fevereiro de 2010.
Terça a sábado – 10h às 18h.
Domingo – 12h às 17h.
Entrada gratuita.

E MIGUEL BAKUN?

2010-01-24T18:31:00.000-02:00

Antes de chegar em Helio Oiticica é necessário passar por uma galeria com quadros de Miguel Bakun e, de repente, tudo fica meio esquisito. Vem a pergunta: será que estou no lugar certo? Sim, o lugar está certo. A instituição é que misturou o contemporâneo com o moderno, criando “uma confusão conceitual”, palavras usadas pelo crítico de arte Fabio Cypriano, da Folha de SP.
De qualquer forma, Miguel Bakun agrada. As impressões de mares, florestas e montanhas do pintor despertam o desejo romântico. A serenidade é sentida nos azuis, amarelos e verdes pastéis de suas telas e se intensifica com o silêncio de uma sala quase vazia de um domingo no IAC.
Numa primeira olhada, Bakun lembra Van Gogh. Numa segunda e terceira também. Depois, Monet e Gauguin. Impressionistas e expressionistas se diluem nos óleos desse pintor paranaense, que em alguns instantes também provoca as sensações do pontilhismo.
Na “Mata de Pinheiros” (1949), assim como em outras composições, Bakun consegue transformar a opulência da natureza em delicadezas figurativas. No todo, seus quadros fornecem oxigênio para uma estética que alimenta mais ao prazer e menos à reflexão.

Natureza e Destino – Miguel Bakun.
Instituto de Arte Contemporânea
Rua Maria Antonia, 242 – São Paulo.
Até 28 de fevereiro de 2010.
Terça a sábado – 10h às 18h.
Domingo – 12h às 17h.
Entrada gratuita.

A BAHIA DE LITA CERQUEIRA

2010-01-14T15:01:00.007-02:00

Joselita Cerqueira define o seu trabalho como “fotografia popular”. Diógenes Moura, curador da exposição A fotografia como Eu Sou – Lita Cerqueira, até 7 de fevereiro, na Pinacoteca de São Paulo, diz que Lita é “autora de uma fotografia feita a partir de seus próprios dias.”
Em texto escrito pela fotógrafa baiana para a sua exposição de 55 imagens em preto e branco no subsolo do museu, esses “próprios dias” começam por sua infância de uma Salvador dos anos 50, quase primitiva, passam por sua convivência, em meados dos anos 70, com o pessoal do Cinema Novo e da Tropicália, quando era hippie e morava em Arembepe, BA, e chegam no hoje, com 57 anos.
Mas não é o seu gosto pelo dia a dia da cultura baiana em si que move Lita a fotagrafar. É a sua paixão por gente que aciona os clics de sua câmera. Mais precisamente, a paixão pela gente de sua Bahia.
E essa Bahia de Lita parece estar isenta de qualquer trivialidade. E essa sua gente é vigorosa.
Um ajeitado vendedor de melancia, uma criança vendedora de bananas, um adolescente num corpo de homem feito, mulheres rendeiras e debulhadoras de feijão e moças conversando às gargalhadas na cidade de Cachoeira transpiram a seiva da existência.
Luxuosas Baianas na procissão de N. S. de Boa Morte, outras equilibrando vasos de flores brancas na cabeça no cortejo da Lavagem do Bonfim, e mais uma Baiana, a do acarajé, linda, num sorriso meio melancólico, personificam o poder feminino de Iansã.
E pra Erê, Lita coleciona uma extensa galeria de crianças: a Menina na Festa de Reis, a Menina Feirante, a Menina nas Escadarias da Igreja do Carmo, a Pequena Artesã, a Jovem Ceramista, o Menino do Berimbau, o Menino das Moringas e o Menino Marceneiro, num close de seu rosto másculo e sério e numa outra foto exercendo o seu ofício.
O Sr. Domingos desfila pelo carnaval do Pelourinho pitando um cachimbo, elegantemente vestido de branco, com chapéu na cabeça e no pescoço um longo colar.
Os meninos, as senhoras, as famílias, as festas, os mitos e os ritos baianos. As personagens negras de olhares fortes e penetrantes, em sorrisos escancarados e às vezes tímidos. A expressão plácida e destemida de um povo que se apropria incondicionalmente dos significados da sua cultura e do exercício do carpe diem. Esses são os elementos que constroem a poesia do espírito baiano sob a lente afinada de Lita Cerqueira.

A fotografia como Eu Sou - Lita Cerqueira

Pinacoteca do Estado

Praça da Luz, 2. Região Central - São Paulo.

Até 7 de fevereiro de 2010.

Terça a domingo das 10h às 18h. R$ 6.

Sábado a entrada é gratuita.

MARIO CRAVO NETO NO TOMIE OHTAKE

2009-12-19T05:59:00.000-02:00

Uma homenagem póstuma a Mario Cravo Neto é feita através de uma exposição que sintetiza sua obra com produções fotográficas, esculturas e uma instalação, no Instituo Tomie Ohtake, São Paulo, até 28 de fevereiro de 2010.
Talvez por ser filho de artista, Mario Cravo Junior, Neto tinha em sua gênese uma percepção estética amparada numa nítida noção do significado que a luz e os contornos podiam dar aos elementos que habitam o nosso universo.
No uso da redução formal, traduzida pela economia máxima de luz, sua fotografia compõe os objetos e as relações desses objetos entre si a serviço de retratar elegantemente a realidade, o natural e o sobrenatural, criando formas novas que atuam como os desenhos das auras do onírico, do afeto e da dor existencial.
Nessa delicada manipulação da luz, os corpos e as peles são esculpidos na presença ou na ausência da cor, sempre num limite exato de claridade e escuridão. Contudo, a cartela de cinzas do p&b é predominante em suas fotos.
Com referências na literatura de Jorge Amado, nas pinturas de Rubem Valentim e Carybé, e nas esculturas de seu pai, grande parte de seu trabalho foi retratar o subconsciente da religiosidade afro-brasileira, o candomblé, se fixando no imaginário dos tótens de Exu, ou em fotografias emblemáticas de Orixás.
Na hibridização do programa antropológico de Pierre Verger (no trabalho de retratar a cultura popular brasileira de norte a sul) com a fotografia construtivista de José Oiticica Junior (no geometrismo calculado para elaborar harmônicas simetrias), surge o minimalismo de Mario Cravo Neto como a síntese que desvela a imagem de um mundo articulado por relações amorosas e complexas, fugazes e sutis entre o objeto fotográfico e a lente de seu aparelho ótico.

AS OBRAS - PARTE I

2009-12-19T05:46:00.000-02:00

Mario Cravo Neto inseriu seu trabalho autoral no circuito das artes visuais na década de 70.
A curadoria dessa exposição, com a participação de seu filho Christian Cravo, fotógrafo residente em Nova York, esmerou-se em mostrar alguns objetos pessoais de Mario, reproduzindo o canto da entrada de sua casa, conforme deixado pela ocasião de sua morte, em agosto deste ano.
Neste canto, uma cadeirinha de pedra e madeira, uma bengala de seu avô, um vaso com espadas de São Jorge, uma luminária, um banquinho com listas telefônicas, duas fotos de Pierre Verger, entre outras coisas, ilustram um convite para o público mergulhar não somente no denso universo de sua fotografia, mas também na baianidade e doçura de sua personalidade.
A instalação de suas câmeras incineradas por um incêndio sobre uma grande lona remendada, assim como a foto de uma criança com cicatrizes de queimadura, relaciona a dor, a falta e a perda com a fotografia.
O realce do esmalte de um vaso de cerâmica e a “estampa” das folhas que este abriga, podem ser vivamente notados numa composição em p&b, onde a escassez da luz é justamente o que resplandece esses objetos. É a eficiência do minimalismo em favor da beleza e da elegância.
Um mesmo pneu pode ser visto sob as poucas luzes do preto e branco, onde aparece distante e indiferente, ou sob um foco mais aproximado e colorido (ainda com pouca luz), talvez numa tentativa de animação do objeto.

Uma homenagem a Brancusi, numa foto denominada “Lua com ovo”, 1992, revela a importância dos contornos em sua obra. Assim como “Angela e Lukas”, 1988, também parece evocar as formas criadas pelo escultor.

AS OBRAS - PARTE II

2009-12-19T05:26:00.000-02:00

Ultrapassando os contornos, em “Lágrimas de pássaros”, 1992, o realismo da anatomia das mãos levadas ao rosto com dois passarinhos entre os dedos substituindo os olhos, mãos estas que evidenciam a textura de uma pele gasta, o desenho dos ossos saltados, o realce das linhas das unhas e os poros dilatados da testa, identificam um fotógrafo que através do detalhe vê os seres em suas dimensões interiores.
Ainda por essa galeria, são três as esculturas: um ninho de fibra de vidro e acrílico, um vaso de acrílico com divisórias que moldam o caminho do crescimento da planta, e uma máscara em pedra-sabão branca de um Exu.
Os retratos de seu pai, sua mãe, sua irmã, e de seu filho Christian, ainda adolescente, são performáticos. No meio disso, surge “Maria”, 1983, uma composição de um perfil negro lindíssimo, que novamente recorre aos contornos esculturais através de um elaborado trabalho de luz.
Entre as últimas fotos coloridas, uma irresistível baiana sentada em sua barraca de acarajé, ornada por um pesado vestido prateado, com colares, pulseiras e turbante, simplesmente sorri.
Uma fita fotográfica expondo 12 poses que Neto tirou das gravuras de seu pai, que ele mesmo não chegou a ver, e um auto-retrato conceitual feito em seu estúdio, onde Mario não aparece propriamente, são as imagens que encerram a exposição.
É preciso confessar que a familiarização com os conceitos da obra de Mario Cravo Neto não foi fácil. Talvez, eu ainda não tenha absorvido o impacto da magia, da beleza e da singeleza de sua fotografia como eu gostaria. As palavras se tornam vãs comparadas à experiência de perceber e sentir ao vivo o seu trabalho.
Em sua obra, não há acasos. Pela manipulação certeira da luz e da posição dos corpos e objetos, surgem as formas da natureza humana selvagem, rasgada em imagens que tentam dialogar com o mundo sob medida do homem absurdo.
O processo fotográfico é sempre feito através da construção de metáforas imagéticas que solidificam o conteúdo semântico da proposta de seus trabalhos e, ao mesmo tempo, adentram o universo subjetivo dos sonhos. Esse caminho em sua criação é, às vezes, mais importante que a experiência estética final.
A fotografia de Mario Cravo Neto estudou e questionou a essência do mundo, e com isso, indiscutivelmente, a arte contemporânea brasileira só teve a ganhar.

Eternamente agora – tributo a Mario Cravo Neto.
Instituto Tomie Ohtake.
Rua Coropés, 88 – São Paulo.
Terça a dom. – 11 às 20hs.
Até 28 de fevereiro de 2010.
Dia 24 de dezembro – fechado.
Entrada gratuita.

Há mais duas notáveis exposições no Instituto, “Robert Rauschenberg”, artista norte-americano do expressionismo abstrato e da pop art, e “Elenco, a cara da Bossa”, uma montagem sobre os primeiros tempos da indústria fonográfica no Brasil, com reproduções de capas de discos (algumas originais) dos artistas que passaram pela gravadora homônima.

O GRAFITE É CONVIDADO A ENTRAR

2009-12-08T00:22:00.000-02:00

Já faz algum tempo que o grafite começou a ser observado com outros olhos pela instituição da arte. Entre outros museus e galerias, o Masp é um dos prenunciadores desse olhar mais valorado com a exposição De dentro para fora - De fora para dentro, reunindo trabalhos de seis experientes grafiteiros, em pinturas, murais, instalações, fotografias, vídeos e sites specifics (obras criadas especialmente para as dimensões do espaço expositivo), até 5 de fevereiro de 2010.
Desenhos da cultura pop e representações simbólicas do cotidiano urbano marginal desbravam o subsolo do museu cativando o público para um espetáculo de formas, linhas e cores, numa proposta que parece despertar as mesmas emoções estéticas emanadas pelo grafite das ruas.
Dessa maneira, a essência do grafite, que poderia se perder enjaulada numa galeria, ao contrário, continua cumprindo o seu papel ao acariciar a Paulicéia imprimindo a beleza do muralismo, do estêncil e do free style nas paredes de seu museu.
Em duas etapas, o blog publica uma breve descrição das obras dos artistas dessa exposição de curadoria mais do que apropriada.
Ainda no Masp, no primeiro andar, a exposição Rodin – do ateliê ao museu, tem uma bela montagem com com 22 esculturas, sendo quatro de grande porte, e com fotografias do processo de criação do artista. Uma outra exposição fotográfica do norte-americano Walker Evans (reportada em minha coluna no http://www.fashionphobic.com/arts.php) divide o espaço do segundo andar com o magnífico acervo permanente do museu.
Como é humanamente impossível abarcar tudo sobre arte num curto período de tempo, e pra ser sincero, durante toda uma vida, as escolhas do que ver e escrever são necessariamente excludentes. Rodin que me desculpe, e todas as outras significativas artes presentes na instituição, mas eu fico com o arrojo contemporâneo dos “meninos-grafiteiros”, tão tocante às emoções de todos que se estavam ali, com os sorrisos estampados na cara, vendo grafites numa terça-feira gratuita do museu.

A foto que ilustra o texto é do dia de abertura da exposição.

OS GRAFITEIROS E SUAS OBRAS -PARTE I

2009-12-07T23:48:00.000-02:00

Os murais do gaúcho Carlos Dias, ilustram uma pintura ágil e delicada, de cores meticulosamente estudadas no flúor dos rosas, amarelos, verdes, azuis, e na purpurina. Suas personagens fabulosas e abissais são ambivalentes e estão sempre na expressão máxima da emoção. Mulheres-peixes, passarinhos, gatinhos e bodes chifrudos surgem românticos, sarcásticos, naïfs e sensuais. Uma feiosinha mulher-peixe cor de rosa e de salto alto, com a cara toda destruída pela maquiagem borrada, da série de murais Salve Rápido-se, é tão carismática que dá vontade de levá-la pra casa.
O pensamento simétrico é gritante na obra do paulistano Stephan Doitschinoff. O sagrado e o profano passeiam juntos em suas criações. A instalação de uma capelinha com livros abertos em páginas aleatórias em diferentes línguas, e que não despertam a mínima vontade de ler, parece fazer alusão a uma igreja hermeticamente fechada em seus próprios códigos. A Torre de Babel e um São Tomás de Aquino de chifres são algumas das figuras bíblicas de suas telas. Um painel com vários desenhos de grafite sobre papel revela traços lindíssimos, geometricamente calculados, numa noção erudita de ilustração. Um vídeo-documentário e uma galeria de fotos mostram trabalhos que o artista realizou em Lençóis, na Chapada Diamantina, Bahia.
O estêncil é a técnica mais utilizada nos grafites de Daniel Melim. Suas cores predominantemente neutras desenham uma linha frágil entre o lúdico e a tensão; a ironia e o protesto político e social. Numa tela preta, um diálogo de duas figuras pronunciado por “Tenho fome / Cale-se”, revelam essa impressão. Como se fossem esquinas, ruas sem saídas e obras inacabadas, as instalações de Melim remetem ao seu projeto Limpão, onde pintou a fachada de todas as casas, praças, becos e puxadinhos de um bairro de São Bernardo do Campo - SP, sua cidade natal. Dois cadernos de desenhos, colagens e carimbos, Black Book I e II, podem ser folheados como um diário de imagens que mostram sutilezas da intimidade criativa do artista.

OS GRAFITEIROS E SUAS OBRAS - PARTE II

2009-12-07T23:00:00.000-02:00

A maturidade estética da arte conceitual do paulistano Zezão é exposta em instalações de site specifics, onde usa madeira, vídeo, colagem, tinta acrílica e spray, representando seu trabalho fora do museu, nos subterrâneos de São Paulo e de outras cidades do Brasil e do mundo. Fotos e uma lona pintada com borrões fosforescentes, Psicodélico, de 2001, também estão no acervo do seu quarteirão expositivo. O símbolo azul-pacífico de sua caligrafia abstrata é o curativo que embeleza os ambientes sórdidos e repulsivos degradados pelo lixo da cidade, como os esgotos. A obra de Zezão emociona na medida em que sua marca azul vai aparecendo pela cidade desprovida de qualquer preconceito de lugar, seja nas galerias subterrâneas dos esgotos, onde a arte jamais pensaria permear, seja nas calçadas e muros, ou, como ocorre agora, no ambiente do museu. Dentre os vários vídeos no youtube, http://www.youtube.com/watch?v=TKFOvsr0uRc é o que documenta de forma mais agradável a sua poesia de traço decidido, sem as baratas e outras aflições que aparecem gravadas em diversas reportagens disponíveis na web sobre o seu trabalho.
Ramon Martins, outro paulistano, funde sua arte na experimentação do estúdio com a energia urbana. Aqui no Masp, de um mural de 5 metros e meio de altura e largura (Enamorados), num clima de feitiçaria, uma espécie de gosma transborda pelo chão, saindo de um caldeirão onde uma japonesa se banha como se estivesse lavando a alma, com a ajuda de outras duas senhoras. Em desenhos rebuscados e complexos, Ramon descreve sonhos, desejos e pecados femininos com um cuidado detalhista arrebatador. A moda é evocada explicitamente nas cores, formas e volumes dos tecidos ilustrados, e na construção dos cabelos e acessórios usados por suas mulheres longilíneas. É impressionante como o ostentoso e o delicado se harmonizam em sua obra.
Titi Freak começou ser artista aos 13 anos como ilustrador dos estúdios de Maurício de Souza. Já expôs em Londres, Tókio e Nova York, e a maior parte de seus grafites estão concentrados no bairro da Liberdade, em São Paulo, cidade onde nasceu. Suas inspirações misturam o espírito brasileiro ao mangá (quadrinhos japoneses), tendo também como referências a moda, a tatuagem, os botecos e artistas como Matisse, Picasso e Portinari. Um mural-instalação cria um ambiente caótico que poderia ser um antiquário, um botequim, um depósito, ou tudo ao mesmo tempo. Vitrôs, grades pintadas, portas de ferro, telas, quadrinhos, pôsteres e uma prateleira com garrafas customizadas de saquê são alguns dos objetos usados pelo artista nessa intervenção.
A exposição de moldes tão incomuns ao que já foi visto em São Paulo termina estimulando o desejo de pichar algum “muro” do museu. Para isso, há dois paredões de lousa onde o espectador pode se manifestar.
No entanto, o mais importante aspecto dessa inesquecível experiência estética só vai aparecer saindo do Masp e começando a reconhecer, e até nomear, os grafites espalhados pela imensidão de concreto que delineia a cidade, tornando essa arte uma margem para a amplitude da consciência e para a formação de um pensamento crítico e opinativo sobre a necessidade de ocupação do espaço público nas grandes metrópoles.

De dentro para fora – De fora para dentro.
Masp – Av. Paulista, 1578 – São Paulo.
Ter., qua., e sex. a dom. – 11h às 18h.
Qui. – 11h às 20h.
Ingresso – R$ 15.
Terça-feira a entrada é gratuita.

FOTOGRAFIA PÓS-MODERNA NO ITAÚ CULTURAL

2009-11-26T04:59:00.000-02:00

A Invenção de Um Mundo, exposição fotográfica do Itaú Cultural, SP, entusiasma o olhar para dimensões de tempo e espaço em surpreendentes registros fictícios emergidos de cenas clicadas do real.
Trabalhos modificados por diversas técnicas digitais e manuais materializam performances da imaginação em fotografias e vídeos que seduzem o espectador a todo o momento.
Nesse caso de feliz curadoria, a apreciação estética junto com um breve histórico dos artistas e uma pequena explicação das obras em questão, se faz muito apropriada tanto para o público que poderia se achar leigo em arte contemporânea quanto para o bom entendedor.
Distribuídas em três andares, numa montagem que lembra um discreto labirinto, as fotos e vídeos abarcam um período de 1968 a 2008 e pertencem ao acervo da Maison Européenne de la Photographie - Paris .
A dupla Lawick e Muller, realiza uma fusão digital de um rosto antigo com outro de um modelo atual, sugerindo uma manipulação genética agradável aos padrões de beleza européia. Em contrapartida, as “self hybridations” de Orlan criam efeitos caricatos não comuns aos olhos, que lembram personagens do grafite urbano, manipulando digitalmente seu próprio rosto com deformações que evocam a moda do belo entre maias, olmecas e astecas.
Proliferação de pernas em fotos-montagens com traços manuais, de Pierre Molinier, e seus auto-retratos travestidos, incitam a discussão sobre possibilidades eróticas e identidade sexual em plena catarse das liberações do ano de 1968.
“A viagem do espírito após a morte”, do americano Duane Michals, é uma ilustração conceitual e sarcástica (de 1970) sobre a condição da vivência humana em 27 poses preto e branco, algumas com legenda, onde um homem desce uma escada; cai; morre; surge uma luz branca; a constatação de que está morto; o questionamento; e por aí vai até reencarnar de novo bebê.
Cenas surreais e nostálgicas com referências infantis, de Bernard Faucon (anos 80), e uma miniatura de homem sentado ao piano, dentro de uma caixa, tocando Debussy, música que soa por toda a sala expositiva, de Charles Matton, são trabalhos que atraem o olhar instantâneo.
O brasileiro Vik Muniz está presente com três composições minimalistas (anos 90) de fotos de esculturas de arame em fundo branco que se transformam em verdadeiras ilustrações traçadas à mão, numa técnica denominada “impressão em papel de gelatina e prata com viragem” (???).
Nessa mesma galeria encontra-se a série “Herbarium”, de Joan Fontcuberta, que realça as formas orgânicas das flores. Uma nova leitura da santa ceia é feita por Betina Rheims. Um jardim plantado no corpo do cão weimerener do artista Willian Wegman e uma foto de vários cachorros azuis petrificados numa sala de estar inteiramente gramada, são algumas dentre as várias imagens hilárias dessa sessão.
Na parte final, numa grande sala escura (segundo subsolo), em clima de cinema interativo, sete vídeos com narrativas que se sobrepõem à razão por meio de efeitos especiais criam um ambiente para refletir questões ecológicas e de identidade, em filmes que hibridizam o homem com os objetos e com a natureza.
Um vídeo de 2005, de sensação tridimensional, do francês Laurent Grasso, pode ser visto em http://www.youtube.com/watch?v=zfAY3j4iA5M.
Através da permanente interferência artística na construção e desconstrução de imagens, a licença poética da fotografia pós-moderna resulta numa invenção de um mundo menos tenso, sob o efeito lisérgico ou psicoléptico que a arte produz.

A Invenção de Um Mundo - mostra de fotografia e vídeos da Maison Européenne de la Photographie.

Instituto Itaú Cultural.

Av. Paulista, 149 - São Paulo.

Até 13 de dezembro de 2009.

Terça a sexta das 10h às 21h.

Sábado, domingo e feriado das 10h às 19h.

Entrada gratuita.

TOMIE OHTAKE ESPETACULAR

2009-11-20T09:04:00.000-02:00

A exposição O Espetáculo Está Na Rua – Cartazes de Chaumont, no InstitutoTomie Ohtake, é imperdível e está com seus dias contados para terminar, até 22 de novembro.
Dividida em dois períodos importantes para a história das artes gráficas, numa sala estão os cartazes dos pioneiros como Lautrec, Capréllo, Dupit, Grasset e Steinlein. Outras duas salas abrigam produções de artistas franceses contemporâneos, os ditos cartazes autorais.
Começando pelos autorais, um cartaz escrito “Bon Jour voisin” se faz muito atraente especialmente pela composição de suas cores, preto, verde e vermelho.
Lembrando que o verde e vermelho juntos é a fusão das cores complementares, penso que esses criadores de cartazes, entre outras coisas, estudam as nossas reações emocionais e fisiológicas diante das cores para saberem exatamente por onde nos capturar. Será???
Mais cores marcantes pairam pelas salas dos cartazes autorais. Rosa chiclete com azul royal, verde com rosa choque, abundância de vermelho e do famoso vermillon francês (o vermelho alaranjado muito usado na pintura de ícones russos que os franceses há séculos passaram a amar). Geometrismo, abstrações e recursos fotográficos são as liberdades plásticas que esses artistas usam em suas obras.
Chega o momento de olhar a sala mais desejada (a de Toulouse Lautrec) e fica difícil conter a emoção. Lautrec foi de um gênio criativo fora do comum e através dele conheço outros gênios de quem eu nunca tinha ouvido falar. Todos precursores dos conceitos de caricatura, cartum, charges e tiras na linguagem gráfica. Mais além, são os artistas do marco histórico para a publicidade e propaganda.
Estamos no auge da Belle Époque e Paris está eufórica. A cultura do divertimento se alastra em todos os níveis sociais e uma nova forma de comunicação surge através de cartazes anunciando cabarés, teatros, feiras e produtos de consumo, principalmente alimentícios, de uma sociedade aflorada pelo materialismo.
Entram os traços divertidos e estonteantes de artistas em pôsteres que espelham a promessa de felicidade francesa. Esse é o momento em que “o espetáculo está na rua” com ilustrações de sensuais mulheres pernudas dançando can can; reproduções de luxuosos salões de bailes e teatros; desenhos de homens narigudos e bigodudos bebendo em bares, e outros infinitos temas.
Uma mulher com discreta voluptuosidade (avó das pin-ups) oferece uma bicicleta da Cia.de Failon e garotinhas meigas anunciam leite puro esterilizado e chocolates Menier. A festa da Europa começa acabar com os prenúncios da I Guerra Mundial, mas a importância da arte dos cartazes no cotidiano da vida moderna já está estabelecida e não morrerá nunca mais.

O Espetáculo Está Na Rua - Cartazes de Chaumont.
Instituto Tomie Ohtake
Rua Coropés, 88 – São Paulo.
Até 22 de novembro de 2009.
Das 11h às 20h.
Entrada gratuita.

Não posso deixar de citar a linda exposição de perfeita curadoria
Eternamente agora – tributo a Mario Cravo Neto, que está no mesmo Instituto.
Dores existenciais em imagens fotográficas, minimalismo expressado na economia de luz são alguns dos pontos sobre esse tributo a serem discorridos numa próxima ocasião.

E O TEMPO NÃO PÁRA ...

2009-11-16T20:54:00.000-02:00

Como lidar com as diferenças políticas, religiosas e sociais de um mundo multifacetado onde cada nação gira em torno de seus próprios interesses no tempo que lhe convêm?
Como resolver o impasse da lentidão do nosso tempo biológico num universo que preza pela rapidez do pensamento, da produtividade e do lucro?
E mais: como ter uma atitude ecológica transformando eletroeletrônicos obsoletos em arte e não em lixo tecnológico?
Alex Flemming soluciona essas questões com uma instalação genial na entrada da Pinacoteca de São Paulo, entretendo e instigando o público a pensar sobre a passagem do tempo no mundo contemporâneo.
No Sistema Uniplanetário de Flemming cerca de 50 globos terrestres de diversos tamanhos e materiais giram em diferentes rotações sobre as superfícies de toca-discos ligados em tomadas. Dessa arte viva, quase falante, surge um planeta Terra composto de vários planetinhas homônimos dançantes, onde a beleza e a sincronia estão justamente firmadas na simbiose dos descompassos dessa dança.
A hilariante experiência de observar globos girantes em antigos aparelhos de som Gradiente, Sony, CCE e Telefunken, é evocativa na tentativa de identificar qual é o nosso tempo verdadeiro, ou qual é o tempo em que gostaríamos de estar rodando atualmente.
Um exuberante globo de plástico azul escuro transparente junto com um outro que gira vagarosamente num aparelho Philco despertam a sensação de um mundo interno pacífico, hipoteticamente resolvido pela justiça social, ou pela psicanálise, talvez.
Num olhar mais adiante, um globinho que gira em velocidade frenética em cima de um aparelho Pionner clama por atenção e poderia ser traduzido na imagem ridícula e histérica de um tempo que o caos da vida urbana (que a gente tanto gosta) produz.
Dentre as diversas bolas rotativas em suas diferentes informações de movimento, perceber a real passagem do tempo se torna cada vez mais difícil, especialmente na nova era da cultura digital.
A arte cinética de Flemming é impactante ao propor uma física onde as relativizações de Tempo, Espaço e Medida na Terra se posicionam como questões centrais do nosso Universo.
Imperdível!

Alex Flemming
Sistema Uniplanetário - In Memoriam Galileo Galilei
Projeto Octógono Arte Contemporânea
Pinacoteca do Estado de São Paulo
14 de novembro de 2009 a 3 de janeiro de 2010.
Terça a domingo das 10h às 18h. R$ 6.
Sábado a entrada é gratuita.

"É SEMPRE LINDO ANDAR NA CIDADE DE SÃO PAULO"

2009-11-13T01:47:00.000-02:00

São Paulo é um território livre com tantas ofertas culturais que às vezes fica difícil canalizar o interesse por um tipo específico de arte.
Galerias, museus, teatros, cinemas, recitais, óperas, arquiteturas, festivais, mostras, instalações, intervenções, viradas, circuitos e diversas outras denominações formam o plano geral da experiência estética paulistana.

Viver cercado dessas possibilidades do belo é um dos motivos que faz a gente não arredar os pés daqui. Pode ter trânsito, poluição, estresse, o que for, São Paulo chama mais São Paulo e a fome de cultura e informação parece nunca ser saciada.

Perceber a cidade como um vulcão de erupções artísticas se torna uma maneira de auto-análise. Quando decido qual exposição, concerto, filme ou peça de teatro me interessam, estou buscando nessas produções alguma coisa que fale de mim, ou que talvez falte em mim, e dessa forma a cidade me conforta, me acalenta, me proporciona o delicioso sentimento de pertencimento, se tornando meu pai e mãe.

No entanto, o grande barato da emoção estética é conseguir separar a emoção inerente que a obra de arte exala das próprias emoções. O exercício de uma apreciação estética é como um exercício de compaixão. Ou numa atitude quase subversiva, consiste num delicioso momento de esquecermos de nós e de nossas vidas cheia de regras para ouvirmos um pouco o quadro, vermos a música, escutarmos a escultura, pegarmos o cinema.

Circulando por aí, descubro espaços novos, revisito lugares velhos, trabalho, passeio, ando, falo, cheiro, pego, vejo, e sinto que "esse mundo é meu", é seu, é nosso. É a atuação narcísica e hedonista de um jornalista em busca da percipiência.

Devo confessar, que no meio dessa miscelânia cultural, se fosse para escolher uma única forma de arte, eu optaria pelas artes plásticas, sempre. Ir ao cinema, ao teatro, a um show requer uma certa pré-programação do cérebro. Ver um quadro, um grafite, uma escultura, não. Para mim, a imagem da arte tem um poder magnético e hipnótico. Estar na cidade e ter a possibilidade de entrar num museu de repente, sem pensar, é maravilhoso. É como entrar numa igreja e dar uma rezadinha.

Você está andando pela Paulista e pensa: "acho que vou ver aquele Gaugin, ou aquele Cézane do Masp". Fora a Caixa Cultural, o Itaú Cultural, a Casa as Rosas, todas as galerias de arte dos Jardins e por aí vai. Em Pinheiros, Vila Madalena, a mesma coisa. Higienópolis idem. No centro, na região da Luz, a maravilhosa Pinacoteca do Estado, a Sala São Paulo, o Museu da Língua Portuguesa e a emocionante e extasiante coleção de arte moderna brasileira da Fundação Nemirovski, na Estação Pinacoteca. E os super acessíveis e ótimos Sescs da vida?

Alguns espaços gratuítos, outros não, o que interessa é o desejo de ter "Olhos de Enxergar" (título do livro da minha queridíssima professora de estética, Edith Modesto, da faculdade de jornalismo) que se traduzem no desejo de viver. E como é bom viver!